Σάββατο, 30 Αυγ, 2025

Η τελειότητα των λουλουδιών Fabergé

Όταν ο δημοπράτης και εμπειρογνώμων παλαιών αντικειμένων Τσαρλς Χάνσον ξεκίνησε για τη δουλειά του το καλοκαίρι του 2018, δεν είχε ιδέα ότι θα συναντούσε το εύρημα της ζωής του.

Ήταν στο γραφείο του στο Χάμπτον Κωρτ, στο νοτιοδυτικό Λονδίνο, όταν μια ευκατάστατη κυρία έδωσε στον Χάνσον ένα χαρτοκιβώτιο που περιείχε δύο διακοσμητικά λουλούδια από σκληρό πέτρωμα: ένα κλαδί βερβερίδας και μια περικοκλάδα ιπομοίας (‘μωβ χωνάκι’). «Μέσα, τυλιγμένα σε μια παλιά πετσέτα, βρισκόταν το Άγιο Δισκοπότηρο ενός δημοπράτη – αυτό που θα πιστεύει ότι θα δει μόνο στα πιο τρελά του όνειρα: όχι ένα, αλλά δύο λουλούδια Οίκο Φαμπερζέ», δήλωσε ο Χάνσον σε δελτίο Τύπου. «Η τεράστια αξία τέτοιων ευρημάτων δεν μπορεί να υποτιμηθεί. Τέτοια έργα είναι τα πιο σπάνια της τέχνης του Φαμπερζέ και είναι πολύ ξεχωριστά».

Αυτό που έκανε αυτά τα λουλούδια Φαμπερζέ ιδιαίτερα σπάνια είναι ότι ήταν άγνωστα στους μελετητές. Σήμερα σώζονται μόνο περίπου 80 βοτανικές μελέτες του Φαμπερζέ, οι περισσότερες είναι καλά τεκμηριωμένες.

Η γυναίκα γνώριζε ότι ο Φαμπερζέ είχε φτιάξει τα λουλούδια, αλλά δεν είχε συνειδητοποιήσει τη σπανιότητά τους. Τα είχε κληρονομήσει από τον πατέρα της, ο οποίος, στη δεκαετία του 1960, είχε δεχτεί ένα εξοχικό και τρία αντικείμενα Fabergé ως αντάλλαγμα για εργασίες που είχε ολοκληρώσει σε ένα κτήμα στη Σκωτία. Φυλούσε τα μη ασφαλισμένα λουλούδια στο σπίτι της.

Αν και και τα δύο λουλούδια είχαν μικρές φθορές και δεν είχαν αποκατασταθεί, η ιπομοία πωλήθηκε για 160.000 λίρες (περίπου 21ο.000 ευρώ) και το κλαδί βερβερίδας για 170.000 λίρες (περίπου 222.000 ευρώ) στην αίθουσα δημοπρασιών Hanson’s London, στις 11 Ιουνίου 2018.

Απαράμιλλα αριστουργήματα εμπνευσμένα από τη φύση

Το βιβλίο της Μέριλιν Φάιφερ Σουέζυ «Fabergé Flowers» εξηγεί την ιστορία αυτών των βοτανικών μελετών, ενώ περιλαμβάνει και ένα εκτενές κεφάλαιο για τη δημιουργία τους.

Ο Φαμπερζέ παρήγαγε για πρώτη φορά λουλούδια από σμάλτο γύρω στα 1890. Τα σκληρά, από  λίθους λουλούδια δημιουργήθηκαν αργότερα, εμπνευσμένα από ένα μπουκέτο χρυσάνθεμων από το παλάτι του Κινέζου αυτοκράτορα, τα οποία ο Οίκος ανέλαβε να επισκευάσει.

Ένας τεχνίτης της Fabergé που επισκεύαζε τα χρυσάνθεμα είδε πώς η εταιρεία θα μπορούσε να δημιουργήσει παρόμοια λουλούδια από σκληρό πέτρωμα.

Οι καλλιτέχνες του Φαμπερζέ μελέτησαν ζωντανά δείγματα φυτών και εικόνες από βοτανικές εγκυκλοπαίδειες πριν σχεδιάσουν τα λουλούδια. Ο Πέτερ Καρλ Γκουστάβοβιτς Φαμπερζέ, μαζί με την ομάδα του, αποφάσιζε ποια σχέδια λουλουδιών θα αναπαράγονταν. Η ομάδα των έμπειρων τεχνιτών επέβλεπε κάθε βήμα της διαδικασίας, με τον Φαμπερζέ και τον σχεδιαστή του να εγκρίνουν ακόμη και τις πρώτες ύλες, που συχνά προέρχονταν από τα Ουράλια Όρη, πριν σταλούν στον φινλανδικής καταγωγής μάστορα χρυσοχόο, Χένρικ Βίγκστρομ, για περαιτέρω έγκριση.

Ο Βίγκστρομ επέβλεπε τη δημιουργική διαδικασία από την αρχή μέχρι το τέλος. Η μικρή ομάδα ειδικών του επεξεργάζονταν πρώτα την τεχνική διαδικασία μετατροπής των δισδιάστατων σχεδίων σε τρισδιάστατα αντικείμενα. Αυτό δεν περιελάμβανε μόνο την επιλογή των πολύτιμων μετάλλων και λίθων που θα αναπαρήγαγαν καλύτερα τα φρούτα και τα λουλούδια, αλλά και τον καθορισμό των τεχνικών και της διαδικασίας συναρμολόγησης κάθε κομματιού.

Λευκά λουλούδια όπως νάρκισσοι, λευκές πασχαλιές και υάκινθοι σκαλίζονταν σε λευκό χαλαζία, ενώ πολύχρωμα άνθη όπως τα μοσχομπίζελα διαμορφώνονταν από αχάτη, χαλαζία και κορνεόλη. Κόκκινα λουλούδια ή μούρα όπως η φούξια και τα σμέουρα σκαλίζονταν σε ροδονίτη από τα Ουράλια.

ZoomInImage
Λίνγκονμπέρρυ, περ. 1885-1915, από τον Οίκο Φαμπερζέ. Χαλκηδόνιος, νεφρίτης, χαλαζίας και χρυσός. 11,4 x 4,8 εκ. Συλλογή India Early Minshall, Μουσείο Τέχνης του Κλήβελαντ, ΗΠΑ. (Public Domain)

 

Οι τεχνίτες σμίλευαν τα φύλλα από σιβηρικό νεφρίτη και χάρασσαν με λεπτομέρεια κάθε πλευρά για να μιμηθούν τις φλέβες των φύλλων. Σύμφωνα με το βιβλίο «Fabergé Flowers»: «Ήταν μια μεγάλη πρόκληση για τον τεχνίτη να σμιλέψει ένα εξαιρετικά λεπτό φύλλο από νεφρίτη, μερικές φορές με αυλακωτά άκρα και συχνά με φυσικές φλέβες και ακόμη και στριφωτές μπούκλες φύλλων».

Ο Φαμπερζέ προτιμούσε νεφρίτη από την περιοχή της λίμνης Βαϊκάλης στη Σιβηρία και από τα υψίπεδα Σαγιάν στα ανατολικά του όρους Αλτάι, στα σύνορα με τη Μογγολία.

Οι τεχνίτες συχνά τοποθετούσαν τα λουλούδια σε βάζα από κρύσταλλο, που το σκάλιζαν ώστε να μοιάζει με βάζο γεμάτο νερό.

Το εργαστήριο του Βίγκστρομ δημιουργούσε τα μεταλλικά μέρη και συναρμολογούσε τα λουλούδια. Δημιουργούσαν διαφορετικά κράματα χρυσού για τους διαφορετικούς χρωματικά μίσχους των λουλουδιών: κράμα χρυσού με χαλκό για τους κόκκινο-καφέ μίσχους, και κράμα χρυσού με ασήμι για τους πράσινους μίσχους. Οι χρυσοχόοι χάρασσαν το μέταλλο για να αναπαράγουν τη φυσική υφή του μίσχου.

Συγκολλούσαν αγκάθια ή κλαδιά στους μίσχους και στερέωναν τα φύλλα είτε με χρυσές καρφίτσες είτε εισάγοντας τα φύλλα σε ειδικές θήκες τις οποίες κολλούσαν στη θέση τους.

Τα άνθη, που αποτελούνταν από πολλά ξεχωριστά κομμάτια, ράβονταν προσεκτικά μεταξύ τους με λεπτό χρυσό νήμα. Αν δεν ήταν δυνατό να βρεθεί σκληρός λίθος ή πολύτιμο μέταλλο που να ταιριάζει με το χρώμα ενός λουλουδιού, τότε δημιουργούσαν το κατάλληλο σμάλτο οι τεχνίτες του Fabergé.

Πανσές, περ. 1885-1915, από τον Οίκο Φαμπερζέ. Χρυσός, νεφρίτης, σμάλτο και χαλαζίας, 11,7 x 4,7 εκ. Συλλογή India Early Minshall, Μουσείο Τέχνης του Κλήβελαντ, ΗΠΑ. Αν οι καλλιτέχνες της Fabergé δεν κατάφερναν να βρουν φυσική πέτρα που να ταιριάζει με το λουλούδι, έκαναν επισμάλτωση, όπως σε αυτόν τον πανσέ. (Public Domain)

 

Κατόπιν, η ομάδα του Βίγκστρομ τοποθετούσε πολύτιμους λίθους στους υπέρους των λουλουδιών. Μπορεί να ήταν μικρά διαμάντια ή πράσινος γρανάτης από τα Μέσα Ουράλια, που είχε υψηλό δείκτη διάθλασης και αντανακλούσε το φως με εκθαμβωτικό τρόπο.

Άνθος άγριας τριανταφυλλιάς, περ. 1885-1915, από τον Οίκο Φαμπερζέ. Χρυσός, ασήμι, σμάλτο, διαμάντι, νεφρίτης και χαλαζίας, 10,16 χ 2,54 εκ. Συλλογή India Early Minshall, Μουσείο Τέχνης του Κλήβελαντ, ΗΠΑ. (Public Domain)

 

Ανεμώνη, περ. 1905-1915, από τον Οίκο Φαμπερζέ (τεχνίτης: Χένρικ Βίγκστρομ). Λευκή ματ πέτρα, χρυσός, ζαφείρια, νεφρίτης και χαλαζίας. 14,3 x 4,1 εκ. Συλλογή India Early Minshall, Μουσείο Τέχνης του Κλήβελαντ. (Public Domain)

 

Ο Φαμπερζέ συμπεριέλαβε ακόμη και πραγματικά φυτικά υλικά σε μερικές μελέτες λουλουδιών.

Οι δημοφιλείς πικραλίδες της εταιρείας περιείχαν ακόμα και τις τρίχες του κάλυκα, στερεωμένες με χρυσή κλωστή και διακοσμημένες με ακατέργαστα διαμάντια. Ο ανώτερος μάστορας της Fabergé, ο Φραντς Π. Μπίρμπαουμ, έγραψε στα απομνημονεύματά του το 1919 ότι «τα λαμπερά σημεία του διαμαντιού ανάμεσα στα λευκά χνούδια ήταν εξαιρετικά επιτυχημένα και εμπόδιζαν αυτό το τεχνητό λουλούδι να είναι μία υπερβολικά πιστή αναπαραγωγή της φύσης».

Ένα από τα αγαπημένα του Φαμπερζέ

Ο Φαμπερζέ χρησιμοποίησε περισσότερο το μοτίβο του κρίνου της κοιλάδας (μιγκέ). Σύμφωνα με το Βοτανικό Μουσείο του Πανεπιστημίου της Οξφόρδης (τη βοτανική συλλογή του πανεπιστημίου), οι κρίνοι της κοιλάδας φύτρωσαν εκεί όπου έπεσαν τα δάκρυα της Παναγίας κατά τη σταύρωση του Χριστού. Παραδοσιακά, τα μικροσκοπικά άνθη τοποθετούνται σε νυφικά μπουκέτα και σε πέτα ως σύμβολο της επιστροφής της ευτυχίας.

Στην εποχή του Φαμπερζέ, οι κυρίες λάτρευαν το γλυκό τους άρωμα και οι πλούσιοι Ρώσοι συχνά τα εισήγαγαν με τρένο από τη νότια Γαλλία.

Το κρίνο της κοιλάδας ήταν επίσης το αγαπημένο λουλούδι μίας από τις πιο εξέχουσες πελάτισσες του Φαμπερζέ, της Αλεξάνδρας Φιοντόροβνας, συζύγου του τσάρου Νικολάου Β΄, του τελευταίου αυτοκράτορα της Ρωσίας. Η αυτοκράτειρα λάτρευε τα άνθη του Φαμπερζέ, και συχνά χάριζε κομμάτια σε φίλους ή τα χρησιμοποιούσε για να διακοσμήσει το χειμερινό της παλάτι.

Δύο εξαιρετικά δείγματα μιγκέ του Φαμπερζέ εκτίθενται στο Μουσείο Τέχνης του Κλήβελαντ. Το ένα απεικονίζει ένα μικροσκοπικό μιγκέ με τα μαργαριταρένια μπουμπούκια του σφιχτά κλειστά και ένα λείο χρυσό στέλεχος. Το άλλο κομμάτι είναι πιο λεπτομερές: αποτελείται από ένα χρυσό στέλεχος με υφή και ανοιχτά μπουμπούκια: σε κάθε μαργαριτάρι είναι προσαρτημένο ένα ασημένιο κομμάτι σε σχήμα κορώνας με διαμάντια. Αυτό δημιουργεί τα χαρακτηριστικά καμπανόσχημα άνθη του μιγκέ. Αυτά τα μικρά μοτίβα λουλουδιών έχουν αναπαραχθεί σε όλες τις συλλογές του Φαμπερζέ.

Κρίνο της κοιλάδας (μιγκέ), περ. 1885-1915, από τον Οίκο Φαμπερζέ. Μαργαριτάρια, νεφρίτης, χαλαζίας, χρυσός και διαμάντια. 5 x 2,2 εκ. Συλλογή India Early Minshall, Μουσείο Τέχνης του Κλήβελαντ, ΗΠΑ. (Public Domain)

 

Κρίνο της κοιλάδας (μιγκέ), περ. 1885-1915, από τον Οίκο Φαμπερζέ. Μαργαριτάρια, διαμάντια, νεφρίτης, χαλαζίας, ασήμι και χρυσός. 10,16 x 2,54 εκ. Συλλογή India Early Minshall, Μουσείο Τέχνης του Κλήβελαντ, ΗΠΑ. (Public Domain)

 

Σύμφωνα με το Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης της Νέας Υόρκης, «το πιο σημαντικό έργο του Φαμπερζέ στις Ηνωμένες Πολιτείες» είναι το «Αυτοκρατορικό καλάθι με κρίνα της κοιλάδας» που βρίσκεται στο μουσείο, ως δάνειο από το Ίδρυμα Matilda Geddings Gray. Στα απομνημονεύματά του, ο Μπιρμπάουμ περιέγραψε το καλάθι με τα 19 στελέχη μιγκέ ως εξής: «Υφασμένο από χρυσά κλαδιά και βρύα σε διάφορα χρώματα χρυσού, τα φύλλα ήταν φτιαγμένα από νεφρίτη και τα λουλούδια από ολόκληρα μαργαριτάρια και διαμάντια». Το 1896, οι τεχνίτες παρουσίασαν το καλάθι στην τσαρίνα Αλεξάνδρα όταν επισκέφθηκε την Παν-ρωσική Βιομηχανική Διάσκεψη και Έκθεση Τέχνης στο Νίζνι Νόβγκοροντ.

Αυτοκρατορικό καλάθι με κρίνα της κοιλάδας, 1896, από τον οίκο Φαμπερζέ (τεχνίτης: Αύγουστος Βίλχελμ Χόλμστρομ). Κίτρινο και πράσινο χρυσό, ασήμι, νεφρίτης, μαργαριτάρια και διαμάντια. 19 x 20 εκ. Ίδρυμα Matilda Geddings Gray. (Public Domain)

 

Το 1898, ο Νικόλαος Β΄ χάρισε στη σύζυγό του το αυγό «Κρίνοι της Κοιλάδας». Αντικατοπτρίζει το εμπνευσμένο από τη φύση στυλ art nouveau, που προτιμούσε τις καμπύλες γραμμές, τις ρέουσες φόρμες και τα λεπτά κλωνάρια. Σκαλισμένα φύλλα νεφρίτη ΄φυτρώνουν’ από τη βάση, ενώ χρυσά στελέχη λουλουδιών στηρίζουν ένα σύμπλεγμα μικροσκοπικών κρίνων από μαργαριτάρια. Όπως όλα τα αυγά Φαμπερζέ, έχει μια έκπληξη: τρεις οβάλ κορνίζες στηρίζονται στην κορυφή του, με μία κορώνα πάνω από την κεντρική, η οποία περιέχει τη φωτογραφία του Νικολάου Β’, ενώ στις δύο άλλες που βρίσκονται από κάτω υπάρχουν οι φωτογραφίες των θυγατέρων του, Όλγας και Τατιάνας.

Αυγό με κρίνα της κοιλάδας, 1898, από το Οίκο Φαμπερζέ (τεχνίτης: Μιχαήλ Πέρκιν, μινιατούρες του Γιοχάννες Ζένγκραφ). Σμάλτο, χρυσός, ρουμπίνια, μαργαριτάρια και διαμάντια. Ύψος 15,2 εκ. Απεικονίζονται ο τσάρος Νικόλαος Β΄ και οι θυγατέρες του, οι μεγάλες δούκισσες Όλγα και Τατιάνα. (Yuri Kadobnov/AFP μέσω Getty Images)

 

Κάθε βοτανική μελέτη του Φαμπερζέ αποτελεί επιτομή εξαιρετικής χειροτεχνίας και υπόδειγμα πολυτέλειας που αναδεικνύει με τον πιο εντυπωσιακό τρόπο τον πλούσιο ορυκτό πλούτο της Ρωσίας. Ο Φαμπερζέ δημιούργησε εξαιρετικές μελέτες φρούτων και λουλουδιών, που μοιάζουν σαν να έχουν μόλις μαζευτεί από τον κήπο και να έχουν τοποθετηθεί σε ένα βάζο – μόνο η λάμψη των διαμαντιών και των γρανατών υποδηλώνει ότι πρόκειται για απομίμηση της φύσης.

Η Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου αναδιαρθρώνει τη συλλογή της και συστήνεται εκ νέου στο κοινό

ΛΟΝΔΙΝΟ – Η Εθνική Πινακοθήκη έκλεισε πέρυσι τα 200 της χρόνια. Στο πλαίσιο των ετήσιων εορτασμών για τα 200 χρόνια λειτουργίας της, η παγκοσμίου φήμης πινακοθήκη αναδιοργάνωσε τη συλλογή της και ανακαίνισε την είσοδο, το φουαγιέ και τον ημιώροφο της πτέρυγας Sainsbury.

Η ανακαινισμένη Πινακοθήκη άνοιξε στις 10 Μαΐου, στην 201η επέτειό της.

Το Κοινοβούλιο ίδρυσε την Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου στις 10 Μαΐου 1824, με μια συλλογή 38 πινάκων που στεγαζόταν στη διεύθυνση Pall Mall 100, το πρώην σπίτι του χρηματοδότη Τζον Τζούλιους Άνγκερσταϊν (1735-1823), ο οποίος είχε αποκτήσει τα έργα. Η Πινακοθήκη άνοιγε για το κοινό τέσσερις ημέρες την εβδομάδα και για τους καλλιτέχνες δύο ημέρες την εβδομάδα.

Το 1838, η συλλογή της Εθνικής Πινακοθήκης μετακόμισε σε νέο, ειδικά κτισμένο κτήριο, σχεδιασμένο από τον αρχιτέκτονα Ουίλλιαμ Ουίλκινς (1778-1839), στην πλατεία Τραφάλγκαρ.

Στις 24 Ιουλίου 1929, ο οικονομικός γραμματέας του υπουργείου Οικονομικών, βαρόνος Φρέντερικ Πέθικ-Λώρενς, ανέδειξε τη συλλογή της Εθνικής Πινακοθήκης στο Κοινοβούλιο:

«Έχει μεγάλη σημασία να μην επιτραπεί σε έργα που αναγνωρίζονται ως αριστουργήματα να φύγουν από τη χώρα, αλλά να παραμείνουν κληρονομιά του λαού αυτών των νήσων – και, ακόμη περισσότερο, να μην κλειστούν σε κάποια ιδιωτική συλλογή, όπου θα τα βλέπουν μόνο λίγοι επιλεγμένοι άνθρωποι, αλλά να βρίσκονται σε δημόσιο χώρο, όπου οι άνθρωποι όλων των θέσεων στη ζωή, αν επιλέξουν να κάνουν τον κόπο, θα μπορούν να επωφεληθούν από την ευκαιρία να τα δουν.»

Σήμερα, η συλλογή ζωγραφικής του βρετανικού έθνους καλύπτει επτά αιώνες με περίπου 2.400 έργα.

Οι επισκέπτες της Εθνικής Πινακοθήκης μπορούν να δουν πάνω από 1.000 έργα δυτικοευρωπαϊκής τέχνης από τον 13ο έως τον 20ό αιώνα, συμπεριλαμβανομένων έργων των Μπελίνι, Λεονάρντο, Ραφαήλ, Ρέμπραντ, Ρούμπενς, Άντονι βαν Ντάικ και Ντιέγκο Βελάσκεθ.

Η πτέρυγα Sainsbury

Η πτέρυγα Sainsbury της Πινακοθήκης παρέμεινε κλειστή για πάνω από δύο χρόνια, για επισκευές και για να συνεργαστεί το αρχιτεκτονικό γραφείο Selldorf Architects με έδρα τη Νέα Υόρκη με τους αρχιτέκτονες πολιτιστικής κληρονομιάς του Λονδίνου Purcell για τη δημιουργία ενός πιο φιλόξενου φουαγιέ της κύριας εισόδου.

Το νέο, τεράστιο φουαγιέ εισόδου της πτέρυγας Sainsbury, με το χαμηλό ταβάνι, τις αυστηρές πέτρινες κολώνες και την ψηφιακή οθόνη πλάτους ~12 μ., μοιάζει περισσότερο με σαλόνι αεροδρομίου ή κομψό διαφημιστικό γραφείο παρά με την κύρια είσοδο μιας παγκοσμίου φήμης συλλογής ζωγραφικής.

Παρά την εταιρική και όχι αστική αίσθηση της ανακαίνισης, η σωτήρια χάρη είναι ότι το φουαγιέ οδηγεί στη σκάλα που εφάπτεται με παράθυρα ύψους διπλού ορόφου που πλημμυρίζουν τον χώρο με ηλιακό φως και προσμονή για το τι έπεται. Καθώς οι επισκέπτες ανεβαίνουν τα σκαλοπάτια προς τους παλαιότερους πίνακες της συλλογής της Πινακοθήκης, τα παράθυρα προσφέρουν θέα στο αρχικό κτήριο της Εθνικής Πινακοθήκης του 1830, με τους μαρμάρινους παραστάδες και τους κορινθιακούς κίονες, και πέρα από αυτό, στην πλατεία Τραφάλγκαρ. Είναι μια ευπρόσδεκτη υπενθύμιση της εξέχουσας στέγης της Πινακοθήκης και της εξέχουσας ιστορίας της των 201 ετών.

ZoomInImage
Το φως του ήλιου οδηγεί τους επισκέπτες στη σκάλα της πτέρυγας Sainsbury της Εθνικής Πινακοθήκης του Λονδίνου. (Phil Starling/Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνου.)

 

Στην κορυφή της σκάλας, ένα νέο έργο τέχνης, ένας ήλιος από ιζήματα ποταμού, συμπληρώνει την εταιρική αίσθηση της εισόδου. Είναι μια περίεργη επιλογή για το πρώτο έργο τέχνης που συναντά το κοινό πριν εισέλθει σε μία πινακοθήκη μεσαιωνικής και πρώιμης αναγεννησιακής τέχνης για να συναντήσει παραδοσιακά κορυφαία έργα της δυτικής τέχνης.

Όλα συγχωρούνται κατά την είσοδο στην αίθουσα 51, με τη ζεστή υποδοχή των αγαπημένων έργων της γκαλερί, όπως η «Παναγία των βράχων» του Λεονάρντο ντα Βίντσι (1452-1519) και η «Παναγία του Μάντσεστερ» του Μιχαήλ Άγγελου (1475-1564), η οποία είναι ένας ημιτελής πίνακας με αυγοτέμπερα, ενδεικτικός όμως του ύφους του μεγάλου καλλιτέχνη

ZoomInImage
Λεονάρντο ντα Βίντσι, «Η Παναγία των βράχων», περ. 1491-1508, στην Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου. Δύο πόρτες σε κάθε πλευρά του πίνακα οδηγούν στο επόμενο έργο του Λεονάρντο. (Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνου)

 

Το φως εισέρχεται στις κύριες αίθουσες της πτέρυγας Sainsbury μέσω μιας σειράς φεγγιτών. Όπως σε μια εκκλησία, το φως του ήλιου κάνει τα επιχρυσωμένα σημεία να αστράφτουν, ενισχύοντας το ουράνιο αποτέλεσμα.

Οι επιμελητές παρουσιάζουν με περίσκεψη τον τρόπο με τον οποίο αυτά τα εκκλησιαστικά έργα, τα ρετάμπλ [1], χρησιμοποιούνταν στην ιδιωτική και δημόσια λατρεία. Ένα σκοτεινό πλαϊνό δωμάτιο και ένας πάγκος σε εσοχή πίσω από την «Παναγία των βράχων» προσκαλεί κάποιον να καθίσει και να μελετήσει το «Σκίτσο για το σπίτι στο Μπέρλιγκτον» (“The Burlington House Cartoon”) του Λεονάρντο, μία μακέτα σχεδόν σε φυσικό μέγεθος για έναν άγνωστο βωμό που δεν καρποφόρησε ποτέ. Ένα άλλο ρετάμπλ στην πρώτη αίθουσα στέκει με τα φύλλα του ανοιχτά, αναπαράγοντας τη στιγμή που το εκκλησίασμα θα μπορούσε να βιώσει το άνοιγμά του. Το «Δίπτυχο του Ουίλτον», ένα φορητό δίπτυχο των τελών του 14ου αιώνα που κατασκευάστηκε για τον βασιλιά Ριχάρδο Β’, είναι κλεισμένο σε γυαλί, επιτρέποντας στους θεατές να δουν τον πλούσιο σε χρυσό και λάπις λάζουλι λατρευτικό θησαυρό στο σύνολό του, συμπεριλαμβανομένου του πίσω μέρους των δύο φύλλων. Σε αυτά απεικονίζονται τα βασιλικά όπλα και τα όπλα του Εδουάρδου του Ομολογητή μαζί σε ασπίδα, καθώς και ένα λευκό ελάφι, το έμβλημα του Ριχάρδου.

ZoomInImage
(αριστερά) «Το δίπτυχο του Ουίλτον», άγνωστου Άγγλου ή Γάλλου καλλιτέχνη. Αυγοτέμπερα σε ξύλο, 50 x 35 εκ. Αίθουσα 51 της πτέρυγας Sainsbury της Εθνικής Πινακοθήκης του Λονδίνου. Η πτέρυγα Sainsbury στεγάζει τη συλλογή μεσαιωνικών και πρώιμων αναγεννησιακών (1250-1550) έργων ζωγραφικής του βρετανικού έθνους. (Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνου)

 

Όταν απέκτησε το δίπτυχο για την Πινακοθήκη το 1929, ο πολιτικός Άντριου ΜακΛάρεν δήλωσε σε κοινοβουλευτική συζήτηση: «Έχει απλότητα, έχει ενδείξεις ότι έγινε από έναν καλλιτέχνη όχι απλώς για πληρωμή αλλά για την τιμή και τη δόξα του Θεού. Μόνο με μια τέτοια παρόρμηση μπορεί να παραχθεί οποιοδήποτε μεγάλο έργο τέχνης».

Όπου είναι δυνατόν, τα ρετάμπλ είναι τοποθετημένα έτσι ώστε να θυμίζουν το αρχικό θρησκευτικό τους περιβάλλον. Ειδικότερα, το εκπληκτικό ρετάμπλ του Σαν Πιερ Ματζόρε βρίσκεται στο μπροστινό μέρος της αίθουσας, σε ένα νεοσύστατο πλαίσιο που οι εθελοντές του προσωπικού της Πινακοθήκης έβαψαν με φύλλα χρυσού. Μπροστά του, μια πρεντέλα (ξύλινη βάση) από τον βωμό της μονής του Σαν Ντομένικο στο Φιέζολε είναι τοποθετημένη μέσα σε γυάλινη προθήκη. Απαιτεί ιδιαίτερα μεγάλη προσοχή. Ο Φρα Αντζέλικο (περίπου 1395-1455) απεικόνισε την ιεραρχία του ουρανού: στον κεντρικό πίνακα, ο Χριστός περιβάλλεται από αγγέλους στον ουρανό· στον αριστερό πίνακα απεικονίζεται η «Παναγία με τους Αποστόλους και άλλους Αγίους» και στον δεξιό πίνακα οι «Πρόδρομοι του Χριστού με Αγίους και Μάρτυρες».

Το ρετάμπλ του Σαν Πιερ Ματζόρε, 1370-1371, από τον Τζακόπο ντι Τσιόνε και το εργαστήριό του. Αυγοτέμπερα σε ξύλο. Αίθουσα 57, πτέρυγα Sainsbury, Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου. (Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνου)

 

Περνώντας σε μια παρακείμενη αίθουσα, οι επισκέπτες συναντούν έναν σταυρό των αρχών του 14ου αιώνα ο οποίος κρέμεται από την οροφή. Είναι μια πρωτιά της Πινακοθήκης, η οποία αναπαράγει τον τρόπο με τον οποίο ο σταυρός θα κρεμόταν αρχικά ψηλά στην εκκλησία. Ο καλλιτέχνης Σένια ντι Μποναβεντούρα (ενεργός περί το 1298, πέθανε γύρω στο 1326) ζωγράφισε τη μορφή του Χριστού ειδικά για να φαίνεται από κάτω, οπότε το να βλέπεις το έργο αναρτημένο από την οροφή είναι λογικό. Η τρισδιάστατη εικόνα του πληγωμένου σώματος του Χριστού είναι μία έντονα συγκινητική υπενθύμιση της θυσίας Του.

Νέες αίθουσες

Αφήνοντας τις αίθουσες με έργα του Μεσαίωνα και της Πρώιμης Αναγέννησης (1260-1550) της πτέρυγας Sainsbury, οι επόμενοι πίνακες ηλικίας 400 ετών που εκτίθενται βρίσκονται στο κτίριο της Πινακοθήκης που σχεδίασε ο Ουίλκινς, η πρόσβαση στο οποίο γίνεται μέσω μιας εσωτερικής γέφυρας.

Η Πινακοθήκη παραμένει χωρισμένη σε καλλιτεχνικές εποχές: Αναγέννηση (1500-1600) στις αίθουσες 2 έως 14, Μπαρόκ (1600-1700) στις αίθουσες 15 έως 32, Ροκοκό-Ρομαντισμός (1700-1800) στην κεντρική αίθουσα και στις αίθουσες 33 έως 37, και Προς τον Μοντερνισμό (μετά το 1800) στις αίθουσες 38 έως 46.

Ορισμένοι καλλιτέχνες έχουν πλέον τις δικές τους ειδικές αίθουσες, όπως ο Πιέρο ντέλα Φραντσέσκα (περ. 1415-1492) και ο Ρέμπραντ (1606-1669), επιτρέποντας στους επισκέπτες να εκτιμήσουν πλήρως την καλλιτεχνική τους εξέλιξη.

ZoomInImage
Πιέρο ντέλλα Φραντσέσκα, «Η Βάπτιση του Χριστού», περ. 1437-1445. Αίθουσα 66, πτέρυγα Sainsbury, Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου. (Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνου)

 

Άλλες, νέες αίθουσες επικεντρώνονται σε συγκεκριμένα είδη και μέσα. Υπάρχει μια αίθουσα αφιερωμένη στις νεκρές φύσεις. Έργα παστέλ συνυπάρχουν στην αίθουσα 42, τον πρώτο χώρο της Πινακοθήκης ειδικά για αυτό το μέσο, αποδεικνύοντας την ευρεία απήχηση, την ευελιξία και τα διαφορετικά στυλ της ζωγραφικής με παστέλ σε δύο διαφορετικές καλλιτεχνικές εποχές. Υπάρχουν έργα από καλλιτέχνες όπως ο Ζαν-Ετιέν Λιοτάρ (1702-1789), δεξιοτέχνης του παστέλ με έξοχα έργα όπως το «Πρωινό της οικογένειας Λαβέρν», έργο που μπορεί εύκολα να μπερδευτεί με ελαιογραφία, μέχρι ιμπρεσιονιστικούς πίνακες, μεταξύ των οποίων και μία από τις περίφημες συνθέσεις μπαλέτου του Εντγκάρ Ντεγκά ( 1834-1917).

Αγαπημένα έργα της συλλογής, όπως τα οικογενειακά πορτραίτα του Τόμας Γκέινσμπορο (1727-1788), παρουσιάζονται μαζί, σαν ένα οικογενειακό άλμπουμ. Ομοίως, το «Ψάθινο καπέλο» του Πέτερ Πάουλ Ρούμπενς (1577-1640), προσωπογραφία της Σουζάννας Λούντεν κατά κοινή παραδοχή, βρίσκεται δίπλα στο «Αυτοπορτρέτο με ψάθινο καπέλο» της Ελιζαμπέτ Λουίζ Βιγκέ λε Μπρυν (1755-1842), καταδεικνύοντας την επιρροή του παλιού δασκάλου στη Γαλλίδα ζωγράφο πάνω από 150 χρόνια μετά. Τέτοιες στοχαστικές και διορατικές διευθετήσεις διατρέχουν όλον τον χώρο της Πινακοθήκης, αναζωογονώντας τη συλλογή ακόμη και για τους βετεράνους επισκέπτες της.

Πέτερ Πάουλ Ρούμπενς, προσωπογραφία της Σουζάννας Λούντεν (;) ή «Το ψάθινο καπέλο», πιθανότατα 1622-1625. Λάδι σε ξύλο, 78 x 53,5 εκ. Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου. (Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνου)

 

Ελιζαμπέτ Λουίζ Βιγκέ λε Μπρυν, «Αυτοπροσωπογραφία με ψάθινο καπέλο», 1782. Λάδι σε καμβά, 96 x 68 εκ. Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου. (Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνου)

 

Νέα αποκτήματα

Εκτός από την ήδη υπάρχουσα συλλογή, υπάρχουν περισσότερα από 20 νέα δάνεια και οκτώ νέα αποκτήματα για τον εορτασμό των διακοσίων χρόνων της Πινακοθήκης. Μεταξύ των αποκτημάτων είναι ένα γαλλικό ή φλαμανδικό αγαλματίδιο των αρχών του 16ου αιώνα με τίτλο «Η Παναγία και το θείο Βρέφος, με τους Αγίους Λουδοβίκο και Μαργαρίτα», το «Μετά την ακρόαση» του Σερ Λώρενς Άλμα-Ταντέμα (1836-1912) και η «Θεία Ευχαριστία» του Νικολά Πουσέν (1594-1665).

ZoomInImage
«Η Παναγία και θείο Βρέφος, με τους Αγίους Λουδοβίκο και Μαργαρίτα», περ. 1510, από άγνωστο Φλαμανδό ή Γάλλο ζωγράφο. Λάδι σε ξύλο, 121 x 104 εκ. Αγοράστηκε με την υποστήριξη των Αμερικανών Φίλων της Εθνικής Πινακοθήκης του Λονδίνου το 2025. Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου. (Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνου)

 

ZoomInImage
Σερ Λώρενς Άλμα-Ταντέμα, «Μετά την ακρόαση», 1879. Λάδι σε ξύλο, 91 x 66 εκ. Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου. (Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνου)

 

Ο πίνακας του Πουσέν που απεικονίζει τον Μυστικό Δείπνο με τίτλο «Θεία Ευχαριστία» είναι ένας από την πρώτη σειρά επτά πινάκων που απεικονίζουν τις ρωμαιοκαθολικές τελετές: Βάπτισμα, Μετάνοια, Θεία Ευχαριστία, Επιβεβαίωση, Γάμος, Χειροτονία και Χρίσμα. Έξι πίνακες της σειράς σώζονται, δύο εκ των οποίων βρίσκονται σε αμερικανικές συλλογές: Το «Βάπτισμα» στην Εθνική Πινακοθήκη της Ουάσιγκτον και η «Χειροτονία» στο Μουσείο Τέχνης Κίμπελ, στο Φορτ Ουόρθ του Τέξας.

ZoomInImage
Νικολά Πουσέν, «Θεία Ευχαριστία», περ. 1637-1640. Λάδι σε καμβά, 93 x 119 εκ. Η Εθνική Πινακοθήκη του Λονδίνου απέκτησε τον πίνακα με αφορμή την 200ή επέτειο από την ίδρυσή της. (Εθνική Πινακοθήκη Λονδίνου)

 

Ο χειρισμός του φωτός από τον Πουσέν στη «Θεία Ευχαριστία», το πώς κατευθύνει το φως των κεριών από τη διπλή λυχνία και το κερί στο σκαμνί, είναι θαυμαστός. Μέσα σε αρχιτεκτονική μεγαλοπρέπεια, ο Χριστός κάθεται στο κέντρο της συμμετρικής σύνθεσης και οι 12 απόστολοι τον πλαισιώνουν. Κρατάει το ψωμί και το κρασί στο ένα χέρι, ενώ υψώνει το άλλο σε μια χειρονομία ευλογίας. Ορισμένοι απόστολοι σηκώνουν τα χέρια τους σαν να δέχονται την ευλογία του Χριστού. Ο Ιούδας είναι ίσως η μόνη μορφή που έχει γυρίσει την πλάτη στον Χριστό, ίσως ενδεικτικό της προδοσίας του αποστόλου.

Ο ιδρυτής πρόεδρος της Βασιλικής Ακαδημίας Τεχνών, Σερ Τζόσουα Ρέυνολντς, δήλωσε όταν είδε τη σειρά των επτά μυστηρίων του Πουσέν το 1785: «Οι Πουσέν είναι αντικείμενα πραγματικά εθνικής σημασίας».

Η αναδιαρθρωμένη συλλογή της Εθνικής Πινακοθήκης του Λονδίνου αναδεικνύει με τον καλύτερο τρόπο τη βρετανική εθνική συλλογή ζωγραφικής και αποτελεί μαρτυρία της προσπάθειας και του πάθους ολόκληρης της επιμελητικής ομάδας για την κληρονομιά της δυτικής τέχνης.

ΣΗΜΕΙΩΣΕΙΣ

1. ρετάμπλ: (από το λατινικό retrotabulum, αγγλ. Altarpiece, ισπ. Reredos, ιταλ. Pala d’altare): Κάθε εικόνα, γλυπτό η άλλη παράσταση τοποθετημένη για διακοσμητικούς λόγους πάνω και πίσω από την αγία τράπεζα (altar) μιας εκκλησίας. Έχει αποδοθεί ελληνικά και σαν «προσέρεισμα», «εικόνα βωμού», «εικονοστάσιο αγίας τράπεζας», «τέμπλο», κ.ά. αλλά δεν πρέπει σε καμιά περίπτωση να συγχέεται με ό,τι ονομάζουμε ορισμένες φορές τέμπλο και συχνότερα (και πιο σωστά) εικονοστάσιο στην Ορθόδοξη εκκλησία. […] Συνήθως, το ρετάμπλ έχει τη μορφή τρίπτυχου ή πολύπτυχου (με οξυκόρυφες απολήξεις), με μια sacra conversazione σαν βασική παράσταση και με σκηνές από τα Ευαγγέλια ή τη ζωή διαφόρων αγίων στη βάση του (πρεντέλα). (από το Λεξικό Καλλιτεχνικών Όρων)

Οι ερωτικές επιστολές του Βερμέερ στη Συλλογή Φρικ

Η τρέχουσα έκθεση της Συλλογής Φρικ, στη Νέα Υόρκη, με τίτλο «Vermeer’s Love Letters», επικεντρώνεται στον τελευταίο πίνακα που απέκτησε ο Χένρυ Κλέυ Φρικ πριν από το θάνατό του: την «Κυρία και υπηρέτρια» του Γιοχάννες Βερμέερ.

Ο πίνακας του Φρικ συμπληρώνεται με δύο ακόμα Βερμέερ, δάνεια για την έκθεση: την «Η Ερωτική Επιστολή» από το Rijksmuseum του Άμστερνταμ και την «Κυρία που γράφει επιστολή, με την υπηρέτριά της» από την Εθνική Πινακοθήκη της Ιρλανδίας, στο Δουβλίνο.

Σε κάθε πίνακα, ο Βερμέερ απεικόνισε μια ερωμένη, την υπηρέτριά της και μια επιστολή της οποίας το περιεχόμενο καλούμαστε να μαντέψουμε από τα στοιχεία που περιλαμβάνει ο ζωγράφος στο έργο. Οι τρεις πίνακες μαζί προσφέρουν μια συναρπαστική ματιά στην αλληλογραφία του 17ου αιώνα και στα αινιγματικά αριστουργήματα του Βερμέερ.

Ολλανδική αλληλογραφία

Στο δοκίμιο «Disciplining the Hand, Disciplining the Heart: Letter-Writing Paintings and Practices in Seventeenth-Century Holland» (Εκπαιδεύοντας το χέρι, εκπαιδεύοντας την καρδιά: Πίνακες και πρακτικές γραφής επιστολών στην Ολλανδία του 17ου αιώνα), η μελετήτρια τέχνης Αν Τζένσεν Άνταμς εξήγησε ότι οι προσωπικές ερωτικές επιστολές δεν ήταν πάντα ιδιωτικές. Συχνά διαβάζονταν κρυφά κατά τη μεταφορά τους ή διαβάζονταν δυνατά κατά την παραλαβή τους, διαβάζονταν σε άλλους, ακόμη και δημοσιεύονταν ενίοτε.

Οι συγγραφείς επιστολών ακολουθούσαν μία επιστολική εθιμοτυπία η οποία είχε τις ρίζες της στη Γαλλία και καθοριζόταν από εγχειρίδια όπως το «Le Secrétaire à la Mode», που γράφτηκε από τον συγγραφέα και δραματουργό Ζαν Πυζέ ντε λα Σερ το 1630. Μεταφράστηκε στα ολλανδικά το 1651.

Οι επιστολές στη ζωγραφική 

Εκτός από ζωγράφος, ο Βερμέερ ήταν επίσης πανδοχέας και αξιοσέβαστος έμπορος έργων τέχνης, γνωστός για την εξαιρετική συλλογή του και την εμπειρογνωμοσύνη του στον τομέα της τέχνης. Αυτός και οι συνάδελφοί του συχνά ζωγράφιζαν συνθέσεις παρόμοιες μεταξύ τους, με μικρές διαφορές στις λεπτομέρειες.

«Οποιαδήποτε εικόνα είχαμε για τον Βερμέερ να εργάζεται με αφοσίωση και απομόνωση στην πατρίδα του, το Ντελφτ, είναι μύθος. Φαίνεται ότι ήταν ένας πολύ δραστήριος και κοινωνικός ζωγράφος», σημειώνει ο επιμελητής της έκθεσης Ρόμπερτ Φούτσι στον κατάλογο της έκθεσης. Ο Ρόμπερτ Φούτσι είναι μελετητής της ολλανδικής τέχνης του 17ου αιώνα στο Πανεπιστήμιο του Άμστερνταμ.

Οι ολλανδικές ζωγραφικές αναπαραστάσεις με θέμα τις ερωτικές επιστολές γνώρισαν την ακμή τους μεταξύ του τέλους της δεκαετίας του 1650 και των αρχών της δεκαετίας του 1670.

Από τους πρώτους πίνακες με αυτό το θέμα είναι η «Γυναίκα που σκίζει ένα γράμμα», που ζωγράφισε ο Ντιρκ Χαλς (1591–1656) το 1631. Σε αυτόν, μια γυναίκα με μαύρο φόρεμα και λευκή ποδιά στέκεται σε ένα άδειο δωμάτιο, όπου φαίνεται μόνο μια άδεια καρέκλα, σύμβολο του απόντα μνηστήρα. Η γυναίκα μοιάζει παγωμένη από σοκ.

ZoomInImage
Ντιρκ Χαλς, «Γυναίκα που σκίζει ένα γράμμα», 1631. Λάδι σε ξύλο, 45,1 × 55,5 εκ. Landesmuseum, Μάιντς, Γερμανία. Ένα πρώιμο παράδειγμα ολλανδικού πίνακα με θέμα το ερωτικό γράμμα. Ο πίνακας αυτός δεν περιλαμβάνεται στην έκθεση. (Public Domain)

 

Η δυναμική απεικόνιση της φούστας του φορέματος της γυναίκας υποδηλώνει ότι μόλις σηκώθηκε από την καρέκλα της και πήγε προς το παράθυρο σε μια στιγμή απόγνωσης, αφού διάβασε το γράμμα.

Στο δωμάτιο υπάρχει ακόμη ένας πίνακας, σύμφωνα με την ολλανδική συνήθεια του «πίνακα μέσα σε πίνακα». Η ταραγμένη θαλασσογραφία αντικατοπτρίζει τη διάθεση της γυναίκας και το περιεχόμενο του ερωτικού γράμματος. Σύμφωνα με τον κατάλογο της έκθεσης: «Η ερωτική λογοτεχνία της εποχής συχνά συνέκρινε τις μεταβολές της τύχης στην αγάπη με τις μεταβολές των ανέμων στη θάλασσα».

Τρία έργα του Βερμέερ με ερωτικές επιστολές

Από τα τριάντα επτά έργα του Βερμέερ που είναι γνωστό ότι έχουν διασωθεί, τα έξι περιλαμβάνουν επιστολές. Το «The Oxford Companion to Art» παρέχει μια γενική επισκόπηση των έργων του Βερμέερ, η οποία περιγράφει εύστοχα τα τρία έργα της έκθεσης: «Τα κυρίαρχα χρώματα είναι το κίτρινο, το μπλε και το γκρι, και οι συνθέσεις έχουν μια αφηρημένη απλότητα που τους προσδίδει μια δύναμη αντιστρόφως ανάλογη με το μικρό τους μέγεθος».

Στο έργο «Η κυρία και η υπηρέτρια» της Συλλογής Φρικ, ο Βερμέερ δημιουργεί μια αισθητή ένταση, με την κυρία να κοιτάζει το κλειστό γράμμα. Η υπηρέτρια μόλις διέκοψε το γράψιμο της κυρίας της. Τα κοκκινισμένα μάγουλά της υποδηλώνουν ότι κρατά ένα επείγον ή πολυαναμενόμενο μήνυμα, που απαιτεί άμεση προσοχή. Η κυρία της ακούει προσεκτικά, καθώς η υπηρέτρια της μεταφέρει το μήνυμα.

ZoomInImage
Γιοχάννες Βερμέερ, «Η κυρία και η υπηρέτρια», περ. 1664-1667. Λάδι σε καμβά, 90,5 x 78,7 εκ. Συλλογή Φρικ, Νέα Υόρκη. (Τζόζεφ Κόρσικα ο Νεότερος)

 

Επιστημονική ανάλυση αποκάλυψε ότι ο Βερμέερ είχε αρχικά ζωγραφίσει φιγούρες και μια ταπισερί στο φόντο του πίνακα. Αυτό ταιριάζει περισσότερο με το στυλ του, πριν αποφασίσει να χρησιμοποιήσει το σκούρο φόντο που εντείνει την οικειότητα της σκηνής. Η ανάλυση αποκάλυψε επίσης ότι το μπλε τραπεζομάντιλο ήταν κάποτε πράσινο, αλλά η κίτρινη χρωστική που χρησιμοποίησε ο Βερμέερ έχει ξεθωριάσει με την πάροδο του χρόνου.

Στο «ερωτικό γράμμα», ο Βερμέερ προσκαλεί τον θεατή να κρυφοκοιτάξει από μια πόρτα, καθώς μια υπηρέτρια διακόπτει την κυρία της που παίζει κιθάρα – η μουσική συμβόλιζε τον έρωτα. Η κυρία μοιάζει με τη γυναίκα του πίνακα «Η κυρία και η υπηρέτρια», φορώντας το ίδιο κίτρινο σατέν σακάκι με την ερμίνα, το ίδιο κολιέ με μαργαριτάρια και τα ίδια σκουλαρίκια. Φαίνεται ανήσυχη καθώς κρατά το κλειστό γράμμα και ακούει τη χαμογελαστή υπηρέτρια της.

ZoomInImage
Γιοχάννες Βερμέερ, «Η ερωτική επιστολή», περ. 1669-1670. Λάδι σε καμβά, 44,5 x 38,5 εκ. Αγοράστηκε με την υποστήριξη του Βερενίγκινγκ Ρέμπραντ. (Rijksmuseum, Άμστερνταμ)

 

Ο Βερμέερ ζωγράφισε δύο πίνακες στον πίσω τοίχο, για να μεταφέρει τη διάθεση των προσώπων.

Σύμφωνα με την ιστοσελίδα του Rijksmuseum, «στην ποίηση του 17ου αιώνα, το πλοίο συμβόλιζε τον εραστή και η θάλασσα τον έρωτα». Η ήρεμη θάλασσα στον κάτω πίνακα υποδηλώνει μια καλή σχέση, αν και τα μαύρα σύννεφα προμηνύουν καταιγίδα. Στον πάνω πίνακα, ο Βερμέερ απεικόνισε μια ειδυλλιακή σκηνή.

Στη «Γυναίκα που γράφει γράμμα, με την υπηρέτρια της», ο Βερμέερ απεικόνισε μια γυναίκα που γράφει, ενώ η υπηρέτρια της περιμένει υπομονετικά. Η κυρία του σπιτιού είναι συγκεντρωμένη στο γράψιμο της επιστολής, ενώ η υπηρέτριά της κοιτάζει έξω από το παράθυρο. Οι λεπτομέρειες υποβοηθούν τον θεατή να εξερευνήσει τη σκηνή: η άδεια καρέκλα υποδηλώνει ότι η κυρία του σπιτιού περιμένει ή καλωσορίζει έναν έρωτα, ενώ τα μπλε και λευκά πλακάκια του Ντελφτ, που περιβάλλουν το κάτω μέρος του τοίχου, μπορεί να απεικονίζουν τον Έρωτα, αν και οι ακριβείς φιγούρες είναι δύσκολο να διακριθούν. Ο Βερμέερ έχει συμπεριλάβει παρόμοια πλακάκια στον πίνακα «Η γαλατού». Η κυρία έχει πετάξει στο πάτωμα ένα κομμάτι σφραγιστικό κερί και ένα βιβλίο, πιθανώς ένα εγχειρίδιο για το γράψιμο επιστολών. Ο μεγάλος βιβλικός πίνακας στο βάθος απεικονίζει την «Εύρεση του Μωυσή», μια σκηνή που χρησιμοποιείται συχνά για να απεικονίσει τη θεϊκή παρέμβαση και το πεπρωμένο.

ZoomInImage
Γιοχάννες Βερμέερ, «Γυναίκα που γράφει επιστολή, με την υπηρέτρια της», περ. 1670-1672. Λάδι σε καμβά, 71 x 60 εκ. Δωρεά του Σερ Άλφρεντ και της Λαίδης Μπέιτ, 1987 (Συλλογή Μπέιτ), Εθνική Πινακοθήκη της Ιρλανδίας, Δουβλίνο. (Εθνική Πινακοθήκη της Ιρλανδία)

 

 Αιώνια αγάπη

Ο Έρασμος του Ρόττερνταμ (περ. 1466–1536) έγραψε για τις επιστολές: «Όταν γράφουμε είναι σαν να συνομιλούμε με τον πιο αγαπητό μας φίλο, σαν να βρίσκεται μπροστά μας». Στην έκθεση, οι τρεις πίνακες του Βερμέερ με θέμα τις ερωτικές επιστολές οπτικοποιούν αυτά τα συναισθήματα. Ο ζωγράφος χρησιμοποιούσε με ευχέρεια τη γλώσσα των καλλιτεχνικών μοτίβων και μετέφραζε την οξυδερκή κατανόηση της ανθρώπινης ψυχής σε χρώματα.

Τα λόγια της μυθιστοριογράφου Μαίρη Σέλλεϋ προς τον σύζυγό της θα μπορούσαν να ισχύουν για την ευαισθησία του ερωτικού γράμματος στους πίνακες του Βερμέερ: «Θα περιέγραφα μια από εκείνες τις στιγμές, όταν οι αισθήσεις είναι απόλυτα συντονισμένες με την αυξανόμενη τρυφερότητα της καρδιάς και η λογική σε παρασύρει να ζήσεις την παρούσα στιγμή. Δεν είναι έκσταση. Είναι μια υπέροχη ηρεμία.»

Ο Βερμέερ είχε δημιουργήσει αυτές τις ήσυχες και στοχαστικές σκηνές αιώνες πριν. Αν και δεν θα μάθουμε ποτέ το περιεχόμενο των επιστολών αυτών ή τις σκέψεις των γυναικών, το όνειρο της αγάπης θα είναι εσαεί ζωντανό.

Η έκθεση «Vermeer’s Love Letters» παρουσιάζεται από τις 18 Ιουνίου έως τις 31 Σεπτεμβρίου 2025, εγκαινιάζοντας τη νέα πινακοθήκη της Συλλογής Φρικ, στη Νέα Υόρκη. Περισσότερες πληροφορίες στο Frick.org

Η πολύ πλούσια εικονογράφηση του ημερολογίου του Δούκα του Μπερρύ

Στο πρώτο μισό του 15ου αιώνα, η Δυτική Ευρώπη βρισκόταν στο τέλος του Εκατονταετούς Πολέμου μεταξύ Γαλλίας και Αγγλίας για την κατάκτηση του ισχυρού βασιλείου της Γαλλίας. Ο πόλεμος και η πανούκλα ήταν διάχυτοι, το ίδιο και η αναταραχή, ο πόνος και η απελπισία.

Κανείς δεν έμεινε αλώβητος.

Σε τέτοιες ταραχώδεις εποχές, η ισχυρή πίστη και η συγκέντρωση κάποιας μορφής ελπίδας είναι απαραίτητες για την καθημερινή επιβίωση. Η εναλλαγή της ημέρας και της νύχτας, το φαινομενικό πέρασμα του χρόνου, είναι μία από τις λίγες σταθερές που έχουμε σε αυτόν τον κόσμο, και ένα ημερολόγιο πολλές φορές μάς βοηθά να προχωρήσουμε χωρίς να χάνουμε τον βηματισμό μας και διατηρώντας την ελπίδα μας για ένα καλύτερο μέλλον.

Στη δυτική τέχνη, ένα από τα πιο εκλεπτυσμένα ημερολόγια βρίσκεται στην αρχή του λατρευτικού χειρογράφου του 15ου αιώνα «Οι πολύ πλούσιες ώρες του Δούκα του Μπερρύ» (Les Très Riches Heures du duc de Berry). Το ημερολόγιο περιέχει πλούσια διακοσμημένες, ειδυλλιακές σκηνές της μεσαιωνικής αυλικής και ποιμενικής ζωής, καθώς και εκπληκτικές λεπτομέρειες της μεσαιωνικής αρχιτεκτονικής — όλα ζωγραφισμένα με ζωηρά και συχνά σπάνια χρώματα, διακοσμημένα με χρυσό.

Αυτό το περίτεχνο αριστούργημα του 15ου αιώνα, προϊόν της τέχνης των Ολλανδών αδελφών Λίμπουρχ, θεωρείται ένα από τα καλύτερα σωζόμενα δείγματα του ύστερου γοτθικού στυλ εικονογράφησης, με τις εικόνες του να έχουν τεράστια επίδραση όχι μόνο στο στυλ των εικονογραφημένων χειρογράφων που το ακολούθησαν, αλλά και στη διαδικασία της ζωγραφικής συνολικά.

Για παράδειγμα, ο ιστορικός τέχνης E. H. Γκόμπριχ, στο βιβλίο του «Η ιστορία της τέχνης», είπε για τον εξέχοντα ζωγράφο του 15ου αιώνα από τις Κάτω Χώρες, Γιαν βαν Άυκ: «Ακολούθησε μάλλον τις μεθόδους των αδελφών Λίμπουρχ και τις έφερε σε τέτοιο επίπεδο τελειότητας που άφησε πίσω τις ιδέες της μεσαιωνικής τέχνης».

Ο Βαν Άυκ μπορεί να άφησε πίσω του τη μεσαιωνική τέχνη, αλλά η τέχνη των αδελφών Λίμπουρχ συνέχισε να εμπνέει τους καλλιτέχνες. Για παράδειγμα, οι Φλαμανδοί καλλιτέχνες του 16ου αιώνα αντέγραφαν όχι μόνο τις φιγούρες αλλά και ολόκληρες συνθέσεις από το ημερολόγιο.

Το βιβλίο των ωρών

Στην Ευρώπη, τα βιβλία των ωρών ήταν πολύ δημοφιλή μεταξύ του 1350 και του 1480. Στη Γαλλία, τα χειρόγραφα έγιναν δημοφιλή το 1400, με ευσεβείς προστάτες να αναθέτουν σε καλλιτέχνες να δημιουργήσουν για εκείνους μοναδικά και προσωπικά βιβλία των ωρών: μια λαϊκή έκδοση του ευρετηρίου που χρησιμοποιούσαν οι κληρικοί και που αποτελείται από προσευχές και αναγνώσματα που διαβάζονταν σε συγκεκριμένες ώρες της ημέρας και της νύχτας (τις κανονικές ώρες της λειτουργικής ημέρας).

Γενικά, κάθε βιβλίο των ωρών περιέχει, στην αρχή, ένα ημερολόγιο με τις εκκλησιαστικές γιορτές και τις ημέρες των αγίων, συχνά διακοσμημένο με τις Εργασίες των Μηνών. Η σειρά των προσευχών και των λατρευτικών πρακτικών διαφέρει από βιβλίο σε βιβλίο, ανάλογα με τον ιδιοκτήτη του βιβλίου και την περιοχή από την οποία προέρχεται. Από όλες τις ώρες, οι Ώρες της Παναγίας θεωρούνταν οι πιο σημαντικές και συνήθως ήταν και οι πιο πλούσια διακοσμημένες.

ZoomInImage
Αδελφοί Λίμπουρχ, «Η Στέψη της Παναγίας», από το βιβλίο προσευχών «Οι πολύ πλούσιες ώρες του Δούκα του Μπερρύ», Φύλλο 60, πίσω, μεταξύ 1412 και 1416. Τέμπερα σε περγαμηνή, 22,3 x 13,5 εκ. (Μουσείο Κοντέ, Γαλλία)

 

«Οι πολύ πλούσιες ώρες του Δούκα του Μπερρύ»

Γνωστοί ως οι αδελφοί Λίμπουρχ (Gebroeders van Limburg), οι τρεις Φλαμανδοί μικρογράφοι και ετεροθαλείς αδελφοί Πωλ, Χέρμαν και Ζαν, ανέλαβαν την παραγγελία του Ιωάννη, δούκα του Μπερρύ, και δημιούργησαν για εκείνον τις «Πολύ πλούσιες ώρες του Δούκα του Μπερρύ».

Ο θείος τους, ο Ζαν Μαλουέλ, ήταν ο αυλικός ζωγράφος του Φιλίππου του Τολμηρού, Δούκα της Βουργουνδίας. Για δύο χρόνια, ο Πολ και ο Ζαν εργάστηκαν επίσης για τον δούκα και, όταν αυτός πέθανε το 1404, τα τρία αδέλφια άρχισαν να εργάζονται για τον αδελφό του, τον πρίγκιπα Ιωάννη, Δούκα του Μπερρύ, τρίτο γιο του βασιλιά Καρόλου Ε΄ της Γαλλίας.

Ο δούκας ήταν ένας μανιώδης συλλέκτης έργων τέχνης, ο οποίος είχε συγκεντρώσει μια τεράστια συλλογή από εικονογραφημένα χειρόγραφα και είχε δημιουργήσει μία εξαιρετική βιβλιοθήκη με αστρονομικές πραγματείες, χαρτογραφικά φύλλα, Βίβλους, ψαλτήρια, λειτουργικά και βραχιονολόγια, συμπεριλαμβανομένων 15 βιβλίων ωρών.

ZoomInImage
Αδελφοί Λίμπουρχ, «Ο Χριστός οδηγείται στο πραιτώριο», από το βιβλίο προσευχών «Οι πολύ πλούσιες ώρες του Δούκα του Μπερρύ», Φύλλο 143, πίσω, μεταξύ 1412 και 1416. Τέμπερα σε περγαμηνή. (Μουσείο Κοντέ, Γαλλία)

 

Ο δούκας ανέθεσε στους αδελφούς τη δημιουργία δύο εικονογραφημένων χειρόγραφων. Το πρώτο ήταν «Οι όμορφες ώρες του Ιωάννη της Γαλλίας, Δούκα του Μπερρύ», που σήμερα φυλάσσεται στο The Met Cloisters στη Νέα Υόρκη. Στη συνέχεια, μεταξύ του 1412 και του 1416, οι αδελφοί δημιούργησαν τις «Πολύ πλούσιες ώρες του Δούκα του Μπερρύ» στη Γαλλία, που σήμερα φυλάσσεται στο Μουσείο Κοντέ, στο Σαντιγί της Γαλλίας.

Η δημιουργία του βιβλίου σταμάτησε το 1416, όταν οι τρεις αδελφοί (όλοι κάτω των 30 ετών) και ο προστάτης τους, ο Δούκας του Μπερρύ, πέθαναν, πιθανότατα από την πανώλη. Το βιβλίο περιγράφεται ως «Οι πολύ πλούσιες ώρες του Δούκα του Μπερρύ» σε έναν κατάλογο μετά το θάνατο του Δούκα του Μπερρύ, εξαιτίας της περίτεχνης διακόσμησής του και για να διακρίνεται το ημιτελές βιβλίο από τα υπόλοιπα 15 βιβλία ωρών της συλλογής του δούκα.

"The Feeding of the Multitudes," from "The Very Rich Hours of the Duke of Berry," Folio 168, back; between 1412 and 1416, by the Limbourg brothers. Tempera on vellum; 11.4 inches by 8.2 inches. Condé Museum, France. (PD-US)
Αδελφοί Λίμπουρχ, «Το θαύμα με τα ψάρια», από το βιβλίο προσευχών «Οι πολύ πλούσιες ώρες του Δούκα του Μπερρύ», Φύλλο 168, πίσω, μεταξύ 1412 και 1416. Τέμπερα σε περγαμηνή, 27 × 21 εκ. (Μουσείο Κοντέ, Γαλλία)

 

Πολλοί άγνωστοι καλλιτέχνες, όπως καλλιγράφοι, επιχρυσωτές και καλλιτέχνες ειδικευμένοι σε διακοσμητικά περιγράμματα, άφησαν το στίγμα τους στις «Πολύ πλούσιες ώρες του Δούκα του Μπερρύ».

Όσον αφορά ειδικά την εικονογράφηση, είναι γνωστό ότι δύο ακόμα καλλιτέχνες δούλεψαν στο χειρόγραφο. Ο ένας πιστεύεται ότι ήταν ο Ολλανδός Μπαρτέλεμυ βαν Άυκ, αν και ορισμένοι μελετητές διαφωνούν και τον θεωρούν «ενδιάμεσο ζωγράφο», που ολοκλήρωσε μερικές από τις ημιτελείς εικονογραφήσεις, γύρω στο 1440. Στη συνέχεια, μεταξύ 1485 και 1489, ο Δούκας της Σαβοΐας ανέθεσε στον Γάλλο μικρογράφο Ζαν Κολόμπ να ολοκληρώσει ορισμένες μικρογραφίες για το βιβλίο. Οι μελετητές διακρίνουν τους διαφορετικούς καλλιτέχνες από το στυλ και τα κοστούμια που φορούν οι φιγούρες.

Πρωτοποριακές μικρογραφίες

Το στυλ των εικονογραφήσεων των αδελφών Λίμπουρχ ήταν πρωτοποριακό και οι εικονογραφήσεις τους καθόρισαν την ανάπτυξη των βόρειων παραδόσεων της τοπιογραφίας και της ζωγραφικής του είδους. Στα 206 φύλλα που περιέχει το  βιβλίο «Οι πολύ πλούσιες ώρες του Δούκα του Μπέρι», υπάρχει ένας ασυνήθιστα μεγάλος αριθμός εικονογραφήσεων: 66 μεγαλύτερες μινιατούρες και 65 μικρότερες.

Σύμφωνα με τον ιστότοπο Visual Arts Cork, όταν ο Πολ επισκέφθηκε την Ιταλία, εμπνεύστηκε από τις τοιχογραφίες των Ιταλών ζωγράφων Ταντέο Γκάντι (θεός του Τζιόττο) και Αμβρότζιο Λορέντζετι. Μετά το ταξίδι του, οι εικονογραφήσεις του Πολ μιμήθηκαν και ξεπέρασαν τις φυσιοκρατικές αποδόσεις και την απλή γραμμική προοπτική των Ιταλών ζωγράφων. Επιπλέον, και οι τρεις αδελφοί επηρεάστηκαν από τη βυζαντινή τέχνη, την οποία παρατήρησαν στη σχολή ζωγραφικής της Σιένα, που διατηρούσε τη βυζαντινή παράδοση.

Τα αδέλφια  ζωγράφιζαν χρησιμοποιώντας την προοπτική και αποτύπωναν την πραγματικότητα με μεγαλύτερη ακρίβεια, ενσωματώνοντας συμπαγείς μορφές, αρχιτεκτονικά στοιχεία, ακόμη και σκιές. Ωστόσο, οι μορφές εξακολουθούσαν να έχουν το επίμηκες σχήμα που ήταν χαρακτηριστικό του γοτθικού ύφους.

Επιπλέον, αντί να ενσωματώνουν τις εικονογραφήσεις του ημερολογίου στο κείμενο, όπως ήταν η παράδοση, οι αδελφοί συμπεριέλαβαν αυτόνομες μινιατούρες που ξεχώριζαν από την καλλιγραφία.

Το ημερολόγιο

Στην κορυφή κάθε εικονογράφησης του ημερολογίου βρίσκονται η ηλιακή άμαξα, οι ημέρες του μήνα και το ζώδιο.

Χειμώνας

Κανονικά, ο Δεκέμβριος θα έδειχνε ένα γουρούνι που κυνηγούν για το χριστουγεννιάτικο γλέντι του δούκα. Αντ’ αυτού, ο Μπαρτέλεμυ βαν Άυκ απεικόνισε μια σκηνή βαθιά στο δάσος, όπου κυνηγόσκυλα καθηλώνουν ένα αγριογούρουνο. Το κάστρο του Βενσάν, γενέτειρα του δούκα, ξεπροβάλλει πάνω από τις κορυφές δέντρα.

ZoomInImage
Δεκέμβριος, από το βιβλίο προσευχών «Οι πολύ πλούσιες ώρες του δούκα του Μπερρύ», Φύλλο 12, πίσω, περίπου 1440. Εικονογράφηση του Μπαρτέλεμυ βαν Άυκ. Τέμπερα σε περγαμηνή, 22,3 × 13,5 εκ. (Μουσείο Κοντέ, Γαλλία)

 

Στον Ιανουάριο, οι αδελφοί Λίμπουρχ απεικονίζουν ένα πλούσιο γεύμα με ακριβά φαγητά, ποτά και επιτραπέζια σκεύη. Ο Δούκας του Μπερρύ κάθεται στο τραπέζι στα δεξιά, φορώντας ένα χαρακτηριστικό γούνινο καπέλο και ένα βαθύ μπλε μανδύα με χρυσά μοτίβα. Ψηλά, σε μια ταπισερί, απεικονίζονται λουλούδια και κύκνοι. Η ταπισερί στο βάθος υποδηλώνει τις μάχες που έχουν κερδηθεί στο παρελθόν.

ZoomInImage
Ιανουάριος, από το βιβλίο προσευχών «Οι πολύ πλούσιες ώρες του δούκα του Μπερρύ», Φύλλο 1, πίσω, μεταξύ 1412 και 1416.  Εικονογράφηση των αδελφών Λίμπουρχ. Τέμπερα σε περγαμηνή, 22,3 × 13,5 εκ. (Μουσείο Κοντέ, Γαλλία)

 

Ο Φεβρουάριος δείχνει τους υπηρέτες του δούκα να εργάζονται σε ένα χιονισμένο τοπίο, στο αποκορύφωμα του χειμώνα. Οι αγρότες έχουν φροντίσει τα πρόβατα στη στάνη τους και υπάρχουν και μελίσσια. Ένας άνδρας σπρώχνει έναν γάιδαρο που ανεβαίνει στο λόφο,, μεταφέροντας εμπορεύματα στο χωριό, ένας άλλος κόβει ένα δέντρο για καυσόξυλα και άλλοι βρίσκονται μέσα και ζεσταίνονται δίπλα στη φωτιά.

ZoomInImage
Φεβρουάριος, από το βιβλίο προσευχών «Οι πολύ πλούσιες ώρες του δούκα του Μπερρύ», Φύλλο 2, πίσω, μεταξύ 1412 και 1416. Εικονογράφηση των αδελφών Λίμπουρχ. Τέμπερα σε περγαμηνή, 22,3 × 13,5 εκ. (Μουσείο Κοντέ, Γαλλία)

 

Άνοιξη

Ο Μάρτιος είναι αφιερωμένος στην προετοιμασία της γης. Ένας άνδρας οργώνει με δύο βόδια, ένας άλλος ετοιμάζει τους σπόρους, ενώ άλλοι φαίνεται να φροντίζουν τα αμπέλια της προηγούμενης χρονιάς. Μακρύτερα, σε ένα άλλο χωράφι, ένας βοσκός φροντίζει τα πρόβατά του.

March, from "The Very Rich Hours of the Duke of Berry," Folio 3, back; between 1412 and 1416 and then circa 1440, by the Limbourg brothers and Barthélemy van Eyck. Tempera on vellum; 8.8 inches by 5.3 inches. Condé Museum, France. (R-G Ojéda/RMN/PD-US)
Μάρτιος, από το βιβλίο προσευχών «Οι πολύ πλούσιες ώρες του δούκα του Μπερρύ», Φύλλο 3, πίσω, μεταξύ 1412 και 1416, και στη συνέχεια περίπου 1440. Εικονογράφηση από τους αδελφούς Λίμπουρχ και τον Μπαρτέλεμυ βαν Άυκ. Τέμπερα σε περγαμηνή, 22,3 × 13,5 εκ. (Μουσείο Κοντέ, Γαλλία)

 

Στην επάνω δεξιά γωνία της εικόνας, ένας φτερωτός δράκος πετά πάνω από το κάστρο του Δούκα του Μπερρύ στο Κάστρο Λουζινιάν (Πουατού), σύμβολο της νεράιδας Μελουσίνας. Στη λαϊκή παράδοση της Γαλλίας, των Κάτω Χωρών και της Κύπρου, η Μελουσίνα είναι μισή γυναίκα και μισή ψάρι ή φίδι.

Τον Απρίλιο, ένα ζευγάρι αρραβωνιάζεται και ανταλλάσσει δαχτυλίδια μπροστά σε μάρτυρες. Η σκηνή είναι γεμάτη χαριτωμένες φιγούρες, τόσο στην ενδυμασία όσο και στη στάση, που τονίζονται από τα λεπτά ακροδάκτυλά τους. Το κάστρο στο βάθος μπορεί να είναι το κάστρο του Ντουρντάν, που σώζεται ακόμα, ή το κάστρο του Πιερφόν.

ZoomInImage
Απρίλιος, από το βιβλίο προσευχών «Οι πολύ πλούσιες ώρες του δούκα του Μπερρύ», Φύλλο 4, πίσω, μεταξύ 1412 και 1416. Εικονογράφηση από τους αδελφούς Λίμπουρχ. Τέμπερα σε περγαμηνή, 22,3 x 13,5 εκ. (Μουσείο Κοντέ, Γαλλία)

 

Συνεχίζοντας την ευθυμία του Απριλίου, τον Μάιο οι τρομπετίστες οδηγούν μια ομάδα νέων στο δάσος για να μαζέψουν κλαδιά και φύλλα για να φτιάξουν κορώνες και περιδέραια, μια ανοιξιάτικη παράδοση στη μεσαιωνική Γαλλία. Το κτίριο στο βάθος μπορεί να είναι το Παλάτι της Πόλης στο Παρίσι, όπου έζησαν οι βασιλιάδες της Γαλλίας από τον 6ο έως τον 14ο αιώνα.

ZoomInImage
Μάιος, από το βιβλίο προσευχών «Οι πολύ πλούσιες ώρες του δούκα του Μπερρύ», Φύλλο 5, πίσω, μεταξύ 1412 και 1416. Εικονογράφηση από τους αδελφούς Λίμπουρχ. Τέμπερα σε περγαμηνή, 22,3 x 13,5 εκ. (Μουσείο Κοντέ, Γαλλία)

 

Καλοκαίρι

Τον Ιούνιο, αγρότες στις όχθες του Σηκουάνα κόβουν τα χόρτα σε μια αρμονική σύνθεση. Οι άνδρες στα δεξιά κόβουν ρυθμικά τα χόρτα με δρεπάνια και οι γυναίκες τα μαζεύουν με τσουγκράνες σε θημωνιές. Περισσότεροι άνθρωποι διακρίνονται σε μια βάρκα, μαζί με τις σκιές τους, ενώ στα δεξιά της βάρκας, στον διάδρομο του κάστρου, άνθρωποι ανεβαίνουν τις σκάλες στο βάθος.

ZoomInImage
Ιούνιος, από το βιβλίο προσευχών «Οι πολύ πλούσιες ώρες του δούκα του Μπερρύ», Φύλλο 6, πίσω, μεταξύ 1412 και 1416. Εικονογράφηση από τους αδελφούς Λίμπουρχ, Μπαρτέλεμυ βαν Άυκ και Ζαν Κολόμπ. Τέμπερα σε περγαμηνή, 22,3 x 13,5 εκ. (Μουσείο Κοντέ, Γαλλία)

 

Στο βάθος, διακρίνεται το Παλάτι της Πόλης στο Παρίσι (που φαίνεται και στην εικονογράφηση του Απριλίου). Ο πύργος της εκκλησίας στα δεξιά είναι το παλάτι-παρεκκλήσι, η Σαιντ-Σαπέλ, ένα γοτθικό αριστούργημα.

Οι ποιμενικές σκηνές συνεχίζονται τον Ιούλιο, με την κουρά των προβάτων και τον θερισμό, ενώ στο βάθος φαίνεται το Παλάτι του Πουατιέ.

ZoomInImage
Ιούλιος, από το βιβλίο προσευχών «Οι πολύ πλούσιες ώρες του δούκα του Μπερρύ», Φύλλο 7, πίσω, μεταξύ 1412 και 1416 ή περίπου 1440. Εικονογράφηση από τους αδελφούς Λίμπουρχ ή τον Μπαρτέλεμυ βαν Άυκ. Τέμπερα σε περγαμηνή, 22,3 x 13,5 εκ. (Μουσείο Κοντέ, Γαλλία)

 

Τον Αύγουστο, μια ομάδα ιππέων, με επικεφαλής έναν πεζοπόρο γερακάρης, βγαίνει για κυνήγι. Ο γερακάρης κρατά ένα ραβδί για να χτυπήσει τους θάμνους και να τρομάξει τα πουλιά ώστε να πετάξουν. Τα κυνηγόσκυλα είναι εκεί επίσης για να αναγκάσουν τα πουλιά να βγουν από τις κρυψώνες τους, αλλά και για να πιάσουν τα πουλιά που θα πέσουν κάτω.

ZoomInImage
Αύγουστος, από το βιβλίο προσευχών «Οι πολύ πλούσιες ώρες του δούκα του Μπερρύ», Φύλλο 8, πίσω, μεταξύ 1412 και 1416. Εικονογράφηση από τους αδελφούς Λίμπουρχ. Τέμπερα σε περγαμηνή, 22,3 x 13,5 εκ. (Μουσείο Κοντέ, Γαλλία)

 

Στο βάθος φαίνεται το κάστρο Ετάμπ, ενώ στο μέσο του πίνακα αγρότες εργάζονται στα χωράφια, θερίζοντας στάχυα – πιθανότατα σιτάρι.

Φθινόπωρο

Οι αδελφοί Λίμπουρχ, ο Μπαρτέλεμυ βαν Άυκ και ο Ζαν Κολόμπ συνέβαλαν όλοι στην εικόνα του Σεπτεμβρίου, αφιερωμένη στον τρύγο. Οι φιγούρες των τρυγητών θεωρείται ότι ζωγραφίστηκαν από τον Κολόμπ και δεν φαίνονται τόσο κομψές όσο αυτές των αδελφών Λίμπουρχ και του βαν Άυκ – αντίθετα, προσδίδουν μια μάλλον χιουμοριστική νότα στο ημερολόγιο.

ZoomInImage
Σεπτέμβριος, από το βιβλίο προσευχών «Οι πολύ πλούσιες ώρες του δούκα του Μπερρύ», Φύλλο 9, πίσω, μεταξύ 1412 και 1416, περίπου 1440, και μεταξύ 1485 και 1486, από τους αδελφούς Λίμπουρχ, τον Μπαρτέλεμυ βαν Άυκ και τον Ζαν Κολόμπ. Τέμπερα σε περγαμηνή, 22,3 × 13,5 εκ. (Μουσείο Κοντέ, Γαλλία)

 

Το κάστρο του Σωμύρ, στην Ανζού, απεικονίζεται με εξαιρετική λεπτομέρεια: μέχρι και οι ανεμοδείκτες με τα κρίνα διακρίνονται στους πύργους του.

Τον Οκτώβριο, αγρότες στις όχθες του Σηκουάνα, στο Παρίσι, οργώνουν και σπέρνουν τη γη. Έχει δοθεί προσοχή σε κάθε μικρή λεπτομέρεια: οι πατημασιές που αφήνει ο άνδρας που σπέρνει σπόρους στο υγρό χώμα, οι σκιές που ρίχνουν οι τρεις βάρκες στο ποτάμι… Στο βάθος απεικονίζεται το κάστρο του Λούβρου. Το κάστρο δεν υπάρχει πλέον – στη θέση του βρίσκεται σήμερα το Παλάτι του Λούβρου.

ZoomInImage
Οκτώβριος, από το βιβλίο προσευχών «Οι πολύ πλούσιες ώρες του δούκα του Μπερρύ», Φύλλο 10, πίσω, μεταξύ 1412 και 1416 ή περίπου 1440. Εικονογράφηση από τους αδελφούς Λίμπουρχ ή τον Μπαρτέλεμυ βαν Άυκ. Τέμπερα σε περγαμηνή, 22,3 x 13,5 εκ. (Μουσείο Κοντέ, Γαλλία)

 

Ο Κολόμπ ζωγράφισε την εικόνα του Νοεμβρίου, η οποία είναι λιγότερο ραφιναρισμένη από τη δουλειά των άλλων καλλιτεχνών. Ο Κολόμπ απεικόνισε έναν χωρικό με το σκυλί του που οδηγεί τα γουρούνια του στη βοσκή. Με το ραβδί του χτυπάει τα δέντρα για να πέσουν τα βελανίδια.

ZoomInImage
Νοέμβριος, από το βιβλίο προσευχών «Οι πολύ πλούσιες ώρες του δούκα του Μπερρύ», Φύλλο 11, πίσω, μεταξύ 1485 και 1486. Εικονογράφηση από τον Ζαν Κολόμπ. Τέμπερα σε περγαμηνή, 22,3 × 13,5 εκ. (Μουσείο Κοντέ, Γαλλία)

Έξι νέα βιτρώ για την Παναγία των Παρισίων;

Το ερώτημα αν υπάρχει θέση για το μοντέρνο σε ιδιαίτερα αρχιτεκτονικά στυλ και ιστορικά μνημεία δεν είναι νέο.

Αυτή τη φορά, η συζήτηση πυροδοτείται από την προοπτική της αντικατάστασης έξι βιτρώ σε ισάριθμα παρεκκλήσια της Παναγίας των Παρισίων, του εμβληματικού αριστουργήματος της γοτθικής αρχιτεκτονικής.

Σύμφωνα με τα σχέδια, το 2026, ο καθεδρικός ναός που καταστράφηκε εν μέρει από πυρκαγιά που ξέσπασε τον Απρίλιο του 2019 πρόκειται να έχει έξι σύγχρονα βιτρώ σε έξι από τα επτά παρεκκλήσια, στο νότιο κλίτος του ναού, αντικαθιστώντας εκείνα του 19ου αιώνα που σώθηκαν από την πυρκαγιά.

 «Ουράνια Ιερουσαλήμ»

Γνωστή ως το κόσμημα της γαλλικής γοτθικής αρχιτεκτονικής, κάθε σπιθαμή της Παναγίας των Παρισίων σχεδιάστηκε για να εμπνέει ευλάβεια, με τα κύρια στοιχεία της – τις καμάρες, τις θολωτές οροφές και τα παράθυρα με τους γυάλινους ρόδακες – να δείχνουν προς τον ουρανό, μέσω του θέματος ή του αρχιτεκτονικού τους σχεδιασμού.

Άποψη της Παναγίας των Παρισίων, από την όχθη του Σηκουάνα. Έξι από τα βιτρώ του πρόκειται να αντικατασταθούν με σύγχρονα βιτρώ, το 2026. (Production Perig/Shutterstock)

 

Στο βιβλίο του «Η ιστορία της τέχνης», ο ιστορικός τέχνης E.H. Γκόμπριχ (1909-2001) περιέγραψε πώς χαρίζουν οι γοτθικοί καθεδρικοί ναοί στους πιστούς μια ματιά στην «ουράνια Ιερουσαλήμ»:

«Με τις πύλες της από μαργαριτάρι, τα ανεκτίμητα κοσμήματά της, τους δρόμους της από καθαρό χρυσάφι και διαφανές γυαλί, αυτό το όραμα είχε κατέβει από τον ουρανό στη γη. Οι τοίχοι αυτών των κτιρίων δεν ήταν ψυχροί και απειλητικοί. Ήταν σχηματισμένα από βιτρό που έλαμπαν σαν ρουμπίνια και σμαράγδια. Οι στύλοι, οι ραβδώσεις και το τέμπλο έλαμπαν από το χρυσάφι. Ό,τι ήταν βαρύ, γήινο ή μονότονο είχε εξαλειφθεί. Οι πιστοί που παραδίδονταν στην ενατένιση όλης αυτής της ομορφιάς, μπορούσαν να αισθανθούν ότι πλησίαζαν περισσότερο στην κατανόηση των μυστηρίων ενός βασιλείου πέρα από την εμβέλεια της ύλης.»

Η περιγραφή του Γκόμπριχ απηχεί την εκείνη του ηγούμενου Σούγκερ στις πόρτες της γοτθικής βασιλικής του Σαιν Ντενί στο Παρίσι, που είχε γραφτεί πάνω από 800 χρόνια νωρίτερα:

«Όλοι εσείς που προσπαθείτε να τιμήσετε αυτές τις πύλες, θαυμάστε όχι το χρυσό και τα έξοδα, αλλά τη δεξιοτεχνία του έργου. Το ευγενές έργο είναι φωτεινό, αλλά, όντας ευγενώς φωτεινό, το έργο θα πρέπει να φωτίζει τα μυαλά, επιτρέποντάς τους να ταξιδέψουν μέσω των φώτων.»

Ο θαμπός νους ανεβαίνει στην αλήθεια μέσα από τα υλικά πράγματα, και ανασταίνεται από την προηγούμενη βύθισή του, όταν βλέπει το φως.

Ο Σούγκερ (1081-1151) θεωρείται ο πατέρας της γοτθικής αρχιτεκτονικής. Όταν αποκαθιστούσε τον Σαιν Ντενί, έγραφε: «Επιδιώξαμε να διαφυλάξουμε τόσο τον σεβασμό προς τον αρχαία καθαγίαση όσο και μια αρμονική συνοχή με το σύγχρονο έργο, σύμφωνα με το ήδη καθιερωμένο πρότυπο».

Τα βιτρώ της Παναγίας των Παρισίων

Μεταξύ του 1855 και του 1865, οι αρχιτέκτονες Ευγένιος Βιολέ-λε-Ντυκ (Eugène Viollet-le-Duc, 1814-79) και Ζαν-Μπατίστ Λασσύ (Jean-Baptiste Lassus, 1807-57) ξεκίνησαν να δημιουργούν ένα νέο διακοσμητικό σχέδιο για τα βιτρώ, στο πλαίσιο της ευρύτερης αναστήλωσης του καθεδρικού ναού, με στόχο να αποκαταστήσουν τη μεσαιωνική ατμόσφαιρα της εκκλησίας.

ZoomInImage
Το παρεκκλήσι του Αγίου Πέτρου, στην Παναγία των Παρισίων. (Franck Legros/Shutterstock)

 

Τα περισσότερα από τα πολύχρωμα βιτρώ παράθυρα του 13ου αιώνα αφαιρέθηκαν από τον κυρίως ναό το 1753, για να εισέλθει περισσότερο φως στην εκκλησία. Μεταξύ του 1855 και του 1860, οι υαλουργοί δημιούργησαν γκριζάιγ (grisailles) βάσει των παραθύρων που είχε δει ο Βιολέ-λε-Ντυκ στον καθεδρικό ναό της Μπουρζ, στην κεντρική Γαλλία.

Προερχόμενο από το γαλλικό «gris» (γκρίζο), το γκριζάιγ έγινε δημοφιλές μετά την απαγόρευση των έγχρωμων και εικονιστικών βιτρό το 1134 από το τάγμα των Κιστερκιανών (ή Βερναρδίνων). Στο κήρυγμα 45 για το Άσμα Ασμάτων, ο μοναχός της Κιστερκιανής Εκκλησίας Άγιος Βερνάρδος του Κλαιρβώ κήρυξε: «Δεν υπάρχει εδώ (στην ενατένιση), όπως νομίζω, καμία ανάγκη ή χρήση για υλικές, μεταδιδόμενες από τις αισθήσεις εικόνες της σάρκας ή του σταυρού του Χριστού ή οποιεσδήποτε άλλες παραστάσεις, που ανήκουν στην αδυναμία της θνητότητάς Του».

ZoomInImage
Το γκριζάιγ στο παρεκκλήσι του Αγίου Πέτρου της Παναγίας των Παρισίων είναι ένα από τα έξι παράθυρα του παρεκκλησίου που πρόκειται να αντικατασταθεί από σύγχρονα βιτρό το 2026. Τα κόκκινα διαμάντια σε όλα τα παράθυρα της λόγχης (ψηλά, στενά παράθυρα με μια αιχμή που μοιάζει με λόγχη) υπογραμμίζουν το κόκκινο αστέρι του παραθύρου με ρόδα στην κορυφή. Περιβάλλεται από λεπτεπίλεπτο φύλλωμα γκριζάιγ. (Public Domain)

 

Οι υαλογράφοι δημιούργησαν δύο τύπους γκριζάιγ: τα διαφανή με ασημένια ζωγραφισμένα φύλλα και τα διαφανή με μόλυβδο που σχημάτιζε γεωμετρικά μοτίβα.

Το γκριζάιγ είναι πλούσιο σε συμβολισμούς. Σύμφωνα με το διαδικτυακό περιοδικό Vidimus, «η βλάστηση [στο grisaille] θεωρείται ότι αντιπροσωπεύει τον Χριστό, τον Δημιουργό που συμβολίζει την αλήθεια, την Ανάσταση και το Δέντρο του Ιεσσαί. Το γεωμετρικό γκριζάιγ αντιπροσωπεύει τη θεία και ορθολογική τάξη της Δημιουργίας.»

The grisaille in the St. Francis-Xavier Chapel at Notre-Dame de Paris is one of the six chapel windows set to be replaced by contemporary stained glass in 2026. Glassmakers created geometric patterns of diamonds, half-quadrilobes, and mandorlas over grisaille painted foliage on the lancet windows (tall, narrow windows with a lance-like point). The colorful border echoes the colors used throughout the window. (Public Domain)
Το γκριζάιγ στο παρεκκλήσι του Αγίου Φραγκίσκου-Ξαβιέ στην Παναγία των Παρισίων είναι ένα από τα έξι παράθυρα του παρεκκλησίου που πρόκειται να αντικατασταθούν από σύγχρονα βιτρώ το 2026. Οι υαλογράφοι δημιούργησαν γεωμετρικά μοτίβα, με ρόμβους, ημιτετράλοβα και μάντορλες πάνω σε φυλλώματα ζωγραφισμένα με γκριζάιγ στα λογχοειδή παράθυρα (ψηλά, στενά παράθυρα με αιχμή που μοιάζει με λόγχη). Το πολύχρωμο περίγραμμα απηχεί τα χρώματα που χρησιμοποιούνται σε ολόκληρο το παράθυρο. (Public Domain)

 

ZoomInImage
Το γκριζάιγ στο παρεκκλήσι του Αγίου Ιωσήφ στην Παναγία των Παρισίων είναι ένα από τα έξι παράθυρα του παρεκκλησίου που πρόκειται να αντικατασταθούν από σύγχρονα βιτρώ το 2026. Τα πολύπλοκα και πολύχρωμα γεωμετρικά μοτίβα του γκριζάιγ επιτρέπουν στο ουδέτερο χρώμα του φωτός να εισέρχεται στο παρεκκλήσι. (Public Domain)

 

Παράθυρα μοντέρνας τέχνης του 1935

Το 1935, ο υαλογράφος Λουί Μπαριγιέ έγραψε στην Επιτροπή Ιστορικών Μνημείων (Le Commission des Monuments Historiques) εκ μέρους 12 υαλογράφων, προτείνοντας την αντικατάσταση των γκριζάιγ του 19ου αιώνα στον κυρίως ναό της Παναγίας των Παρισίων.

Ήθελαν να αποκαταστήσουν την πολύχρωμη ατμόσφαιρα των αρχικών μεσαιωνικών βιτρώ με κυβιστικές εικόνες, ρεύμα πρωτοποριακό για την εποχή, το οποίο επινόησαν ο Πάμπλο Πικάσο (1881-1973) και ο Ζορζ Μπρακ (1882-1963), γύρω στα 1907.

Ορισμένα από αυτά τα παράθυρα εκτίθενται σήμερα στην έκθεση «Παναγία των Παρισίων: Η διαμάχη για τα βιτρώ παράθυρα». Η έκθεση στην πόλη των βιτρώ, στην Τρουά, στην Ωμπ της βόρειας Γαλλίας, εξερευνά τα 30 χρόνια μεταξύ 1935 και 1965, όταν σύγχρονοι καλλιτέχνες θέλησαν να αφήσουν το στίγμα τους στο γοτθικό αριστούργημα.

Η επιμελήτρια της έκθεσης Μαρί-Ελέν Ντιντιέ δήλωσε στο δελτίο Τύπου: «Αυτά τα βιτρώ δεν θεωρήθηκαν εναρμονισμένα με την αρχιτεκτονική του καθεδρικού ναού».

Παρόλο που ο αρχιεπίσκοπος του Παρισιού, καρδινάλιος Βερντιέ, και ο γενικός επιθεωρητής ιστορικών μνημείων, Ευγένιος Ρατιέ, έδωσαν οδηγίες στους καλλιτέχνες για την εικονογραφία, υπήρξαν πολλά ζητήματα.

Στις 25 Μαρτίου 1935, ο αντιπρόεδρος της επιτροπής, ο Γκάμπριελ Ρούπριχ-Ρόμπερτ,  εξέθεσε τις ανησυχίες του σε επιστολή του προς τον γενικό διευθυντή Καλών Τεχνών, Ζορζ Χουισμάν. Στην επιστολή σημείωνε την καλή κατάσταση των γκριζάιγ και επεσήμανε ότι οποιαδήποτε εργασία σε ιστορικά μνημεία «πρέπει να περιορίζεται στη διατήρηση της κληρονομιάς», θεωρούσε δε ότι ο αριθμός των καλλιτεχνών και οι διαφορετικές προτάσεις, έθεταν σε κίνδυνο την αρμονία του έργου. Κατέληγε με την παρατήρηση: «Αυτό το κτίριο [η Παναγία των Παρισίων] δεν μπορεί να είναι το πεδίο ενός πειράματος που δεν είναι απαραίτητο».

Η επιτροπή συμφώνησε στο ότι οι διαφορετικές τεχνοτροπίες, τα χρώματα και οι αναλογίες που χρησιμοποιήθηκαν σε κάθε παράθυρο δεν σχημάτιζαν ένα συνεκτικό σύνολο.

Ο Ντιντιέ δήλωσε: «Βλέποντας σήμερα όλες αυτές τις δημιουργίες τη μία δίπλα στην άλλη, καταλαβαίνουμε την απροθυμία της επιτροπής. Οι δώδεκα καλλιτέχνες που σχεδίασαν αυτά τα βιτρώ εργάστηκαν ανεξάρτητα», γεγονός που είχε ως αποτέλεσμα τα βιτρώ να μην έχουν συνάφεια μεταξύ τους, σε σημείο κακοφωνίας σύμφωνα με μία μερίδα κριτών. «Η έλλειψη αρμονίας πρέπει να ήταν κατάφωρη», δήλωσε η επιμελήτρια της έκθεσης Τζούλια Μπουαγιόν στο δελτίο Τύπου.

Το 1939, το Ίδρυμα για τη Διαφύλαξη της Γαλλικής Τέχνης, υπέβαλε αίτημα στον καρδινάλιο Βερντιέ. Οι πολέμιοι των σύγχρονων βιτρώ ανησυχούσαν για την έλλειψη αρμονίας και την ασυνάρτητη αφήγηση, καθώς και για το ότι θα φαινόταν σαν η σύγχρονη τέχνη να έχει ξεπεράσει τους Παλαιούς Δασκάλους – κάτι που δεν συνέβαινε.

Στις 22 Απριλίου 1939, η εφημερίδα Le Figaro ανέφερε: «Σε μια εποχή που οι οικονομικές ανησυχίες και ο φόβος του πολέμου αμβλύνουν τη νοημοσύνη και καταθλίβουν τις ευαισθησίες, το παρισινό κοινό είναι ακόμα ικανό να παθιάζεται με ένα καλλιτεχνικό πρόβλημα».

Οι επιμελητές της έκθεσης εξήγησαν ότι ο κόσμος δεν ήταν απαραίτητα εναντίον του έργου. Ήταν κατά τού να βρίσκονται τα σύγχρονα έργα στην Παναγία των Παρισίων και πίστευαν ότι αυτό θα δημιουργούσε προηγούμενο για τα ιστορικά κτίρια στη συνέχεια.

Το 1939, τα κυβιστικά βιτρώ τοποθετήθηκαν στον καθεδρικό ναό. Αλλά το ξέσπασμα του Β’ Παγκοσμίου Πολέμου οδήγησε στην απομάκρυνση τους για ασφαλή φύλαξη. Δεν επιστράφηκαν ποτέ.

ZoomInImage
Το γκριζάιγ στο παρεκκλήσι της Ιερής Καρδίας στην Παναγία των Παρισίων είναι ένα από τα έξι παράθυρα του παρεκκλησίου που πρόκειται να αντικατασταθούν από σύγχρονα βιτρό το 2026. Τα λουλούδια και τα φύλλα γκριζάιγ στο παράθυρο με τα έξι λοβοειδή τριαντάφυλλα ενισχύονται με πινελιές κόκκινου, μπλε, πράσινου και κίτρινου χρώματος – ένα χρωματικό σχήμα που επαναλαμβάνεται σε όλο το βιτρώ. (Public Domain)

 

ZoomInImage
Το γκριζάιγ στο παρεκκλήσι του Αγίου Ελουά στην Παναγία των Παρισίων είναι ένα από τα έξι παράθυρα του παρεκκλησίου, που πρόκειται να αντικατασταθούν από σύγχρονα βιτρώ το 2026. Οι τεχνίτες δημιούργησαν λεπτά περιθώρια στα παράθυρα με τις τριανταφυλλιές, επιτρέποντας περισσότερο φως να εισέλθει στο παρεκκλήσι, ενώ παράλληλα αναδεικνύουν τα λεπτά λουλούδια του παραθύρου. (Public Domain)

 

ZoomInImage
Το γκριζάιγ στο παρεκκλήσι της Αγίας Γενεύης της Παναγίας των Παρισίων είναι ένα από τα έξι παράθυρα του παρεκκλησίου, που πρόκειται να αντικατασταθούν από σύγχρονα βιτρό το 2026. Ένα πανέμορφο τριαντάφυλλο ανθίζει στο κύριο τριανταφυλλόσχημο άνοιγμα, που τονίζεται χάρη στην επανάληψη του μπλε και του κίτρινου χρώματος στα περιθώρια των στεονόμακρων, λογχοειδών παραθύρων. (Public Domain)

 

Τα βιτρώ του 2026

Ενενήντα χρόνια μετά, τα γκριζάιγ της Παναγίας των Παρισίων απειλούνται και πάλι. Αυτή τη φορά, έξι γκριζάιγ σε ισάριθμα παρεκκλήσια που περιβάλλουν τον κυρίως ναό ενδέχεται να αντικατασταθούν με παραστατικά βιτρώ με θεματολογία βασισμένη στην Πεντηκοστή.

Μετά την πυρκαγιά, η γαλλική κυβέρνηση ίδρυσε έναν δημόσιο φορέα που ονομάζεται Δημόσιο Ίδρυμα για τη διατήρηση και αποκατάσταση του καθεδρικού ναού. Στις 27 Ιανουαρίου, η γαλλική ένωση πολιτιστικής κληρονομιάς Sites & Monuments αμφισβήτησε την αρμοδιότητα του Δημοσίου Ιδρύματος σε δύο σημεία: για την οργάνωση της αντικατάστασης των βιτρώ και για την επακόλουθη σύμβαση με την εγκατεστημένη στο Λος Άντζελες Γαλλίδα καλλιτέχνιδα Κλαιρ Ταμπουρέ.

ZoomInImage
Η Γαλλίδα καλλιτέχνις Κλαιρ Ταμπουρέ και το στούντιο βιτρώ του Ατελιέ Σιμόν-Μαρκ επιλέχθηκαν για να δημιουργήσουν έξι νέα βιτρώ για ισάριθμα παρεκκλήσια του νότιου κλίτους της Παναγίας των Παρισίων. Εδώ ποζάρει μετά από συνέντευξη Τύπου, στις 18 Δεκεμβρίου 2024. (Stephane de Sakutin/AFP)

 

Πολλές από τις αντιρρήσεις για τα νέα σύγχρονα βιτρώ αντικατοπτρίζουν τα επιχειρήματα κατά των βιτρώ του 1930. Ο Γάλλος δημοσιογράφος Ντιντιέ Ρύκνερ ξεκίνησε μια αίτηση για να σταματήσει το έργο, η οποία έχει συγκεντρώσει περισσότερες από 280.000 υπογραφές τη στιγμή της σύνταξης του παρόντος.

Μόνο ο χρόνος θα δείξει αν τα βιτρώ της Κλαιρ Ταμπουρέ θα εγκατασταθούν στην Παναγία των Παρισίων. Προς το παρόν, οι επισκέπτες του καθεδρικού ναού μπορούν να εισέλθουν στην «Ουράνια Ιερουσαλήμ» του Γκόμπριχ και να απολαύσουν το θεϊκό φως των γκριζάιγ της γοτθικής αναβίωσης των Βιολέ-λε-Ντυκ και άλλων.

ZoomInImage
Το παρεκκλήσι της Αγίας Ζενεβιέβ στην Παναγία των Παρισίων. (Franck Legros/Shutterstock)

 

Η «σκόπιμη ομορφιά» της εβραϊκής ιερατικής τέχνης

Κάθε εβδομάδα, ο αείμνηστος ραβίνος, συγγραφέας και φιλόσοφος βαρόνος Τζόναθαν Σακς (1948–2020) ενέπνεε τους Εβραίους ανά τον κόσμο, συζητώντας για το συμβόλαιο με τον Θεό, όπως αυτό αποτυπώνεται στην Τορά ή Πεντάτευχο, το εβραϊκό ιερό βιβλίο που περιέχει τον μωσαϊκό νόμο.

Ο Σακς γνώριζε ότι η πίστη και η ομορφιά συμπληρώνουν η μία την άλλη. Όπως είχε γράψει στην ιστοσελίδα Times of Israel:

«Η τέχνη στα εβραϊκά – «ομανούτ» – έχει σημασιολογική σχέση με την «εμουνάχ», την πίστη ή την πιστότητα. […] Οι Εβραίοι πιστεύουν στη «χαντράτ κόντες», την ομορφιά της αγιότητας: όχι την τέχνη για την τέχνη, αλλά την τέχνη ως αποκάλυψη της απόλυτης καλλιτεχνικής δεξιοτεχνίας του Δημιουργού. Έτσι η «ομανούτ» ενισχύει την «εμουνάχ», έτσι η τέχνη προσθέτει θαυμασμό στην πίστη.»

Σκόπιμη ομορφιά

Το Μουσείο Καλών Τεχνών της Βοστώνης εξερευνά την ομορφιά και την εξαιρετική χειροτεχνία των Judaica (εβραϊκή τέχνη και αντικείμενα) στο σπίτι και τη συναγωγή, παρουσιάζοντας την έκθεση «Σκόπιμη ομορφιά: Εβραϊκή τελετουργική τέχνη από τη συλλογή».

Τα 27 εκθέματα που παρουσιάζονται από τη Βοστώνη και τα περίχωρά της περιλαμβάνουν υφάσματα, έπιπλα, πίνακες ζωγραφικής, μεταλλουργικά έργα και έργα σε χαρτί. Οι Εβραίοι μπορεί να αναγνωρίσουν τα παλιά θρησκευτικά μοτίβα που χρησιμοποιούνται σε όλα τα έργα, αν και το στυλ κάθε κομματιού διαφέρει ανάλογα με την εθνικότητα του τεχνίτη.

ZoomInImage
Η έκθεση «Σκόπιμη ομορφιά: Εβραϊκή τελετουργική τέχνη από τη συλλογή» παρουσιάζεται στη γκαλερί Μπέρναρντ και Μπάρμπαρα Στερν Σαπίρο, στο Μουσείο Καλών Τεχνών της Βοστώνης. Στη φωτογραφία φαίνονται μια ιερή κιβωτό του 20ού αιώνα του Σάμουελ Κατζ, πλαισιωμένη από σκαλιστά λιοντάρια του Ιούδα του 20ού αιώνα (κέντρο), ενώ στο προσκήνιο βρίσκονται ένα ζευγάρι ασημένια ακροκέραμα της Τορά του τέλους του 17ου αιώνα (α) και ένα ζευγάρι ασημένια ακροκέραμα της Τορά των αρχών του 18ου αιώνα (δ). (© Μουσείο Καλών Τεχνών, Βοστώνη)

 

ZoomInImage
Κορυφές Τορά, 1729, του Αβραάμ Λόπες ντε Ολιβέιρα. Ασήμι με επιχρυσωμένα μέρη. 45,1 εκ. x 15,2 εκ. x 14 εκ. Ίδρυμα Μίλντρεντ Γουάιζμαν και Ίδρυμα Θεοδώρας Γουίλμπορ στη μνήμη της Σάρλοτ Μπημπ Γουίλμπορ. Κοινή ιδιοκτησία του Εβραϊκού Μουσείου της Νέας Υόρκης και του Μουσείου Καλών Τεχνών της Βοστώνης. (Ευγενική παραχώρηση του Μουσείου Καλών Τεχνών της Βοστώνης)

 

Μεταξύ των πιο αξιοσημείωτων έργων είναι μια σπάνια θωράκιση της Τορά (ή τωράχ) του 18ου αιώνα, μια ινδική Αγκαδά του τέλους του 19ου αιώνα και μια πρόσφατα συντηρημένη ιερή κιβωτός του 20ου αιώνα από μια συναγωγή που έκλεισε το 1999.

«Αν και πολλές από τις εβραϊκές κοινότητες που εκπροσωπούνται στην γκαλερί δεν υπάρχουν πλέον, αυτά τα αντικείμενα είναι απτή μαρτυρία της ιστορίας τους. Αφηγούνται ιστορίες εξορίας, διακρίσεων, ακόμη και διώξεων, αλλά και ανθεκτικότητας, ανανέωσης και ενσωμάτωσης», δήλωσε η επιμελήτρια της έκθεσης Σιμόνα Ντι Νέπι στο δελτίο Τύπου. Η Ντι Νέπι είναι επιμελήτρια του μουσείου για τα εβραϊκά αντικείμενα της συλλογής Τσαρλς και Λυν Σούστερμαν.

Τα εκθέματα προέρχονται από εβραϊκές κοινότητες της Βοστώνης και των γύρω περιοχών, κοινότητες που αναπτύχθηκαν από τα τέλη του 19ου αιώνα.

ZoomInImage
Ισίδωρος Κάουφμαν, «Hannah», τέλη του 19ου ή αρχές του 20ου αιώνα. Λάδι σε ξύλο, 33 x 26 εκ. Συλλογή Τσαρλς και Λυν Σούστερμαν. Μουσείο Καλών Τεχνών, Βοστώνη. (© Μουσείο Καλών Τεχνών, Βοστώνη)

 

ZoomInImage
Θήκη για την Τορά, 1879, κατασκευασμένη στο Ιράκ. Ξύλο, ασήμι, μερική επιχρύσωση, 101 x 25 εκ. Ταμείο Τζετσκάλινα Χ. Φίλλιπς. Μουσείο Καλών Τεχνών, Βοστώνη. (© Μουσείο Καλών Τεχνών, Βοστώνη)

 

«Η Ιερουσαλήμ της Αμερικής»

Μεταξύ 1890 και 1924, πολλοί Εβραίοι μετανάστες εγκαταστάθηκαν βόρεια της Βοστώνης, απέναντι από τον ποταμό Μύστικ, στην πόλη Τσέλσι.

Σύμφωνα με την ιστοσελίδα της Μασσαχουσέτης Massachusetts Civics Handbook:

«Μέχρι το 1910 ο αριθμός των Εβραίων [στο Τσέλση] είχε αυξηθεί σε 11.225, σχεδόν το ένα τρίτο του συνολικού πληθυσμού της πόλης. Στη δεκαετία του 1930, υπήρχαν περίπου 20.000 Εβραίοι κάτοικοι στο Τσέλση, από έναν συνολικό πληθυσμό σχεδόν 46.000. Δεδομένης της έκτασης της πόλης, το Τσέλση μπορεί να είχε τον μεγαλύτερο αριθμό Εβραίων κατοίκων ανά τετραγωνικό μίλι από οποιαδήποτε άλλη πόλη εκτός της Νέας Υόρκης». Μέχρι τον Α΄ Παγκόσμιο Πόλεμο, το Τσέλση ήταν γνωστό ως «η Ιερουσαλήμ της Αμερικής». Το προσωνύμιο διατηρήθηκε μέχρι το 1948, όταν η γέφυρα Mystic River, γνωστή σήμερα ως γέφυρα Μόρις Τζ. Τόμπιν, χώρισε την περιοχή.

Ο Ρώσος ξυλογλύπτης και κατασκευαστής επίπλων για συναγωγές Σάμιουελ Κατζ (1884–1953) μετανάστευσε στο Τσέλση. Οι συντηρητές του μουσείου αποκατέστησαν πρόσφατα μια ιερή κιβωτό που ο Κατζ δημιούργησε για τη Συναγωγή Σαάρ Σιών της περιοχής, γύρω στο 1920.

Η Ιερή Κιβωτός

Η αρόν κόντες ή ιερή κιβωτός είναι ένα ιερό έπιπλο της συναγωγής όπου φυλάσσονται οι κύλινδροι της Τορά που χρησιμοποιούνται στις λειτουργίες. Η κιβωτός πήρε το όνομά της από το «Άγιο των Αγίων», την «Αρόν Χαμπερίτ», την Κιβωτό της Διαθήκης στον Ναό.

Οι πιστοί της συναγωγής κάθονται με το πρόσωπο στραμμένο προς την κιβωτό, η οποία είναι πάντα τοποθετημένη έτσι ώστε οι άνθρωποι να κοιτάζουν προς την ιερή πόλη της Ιερουσαλήμ, τον τόπο του ιερού ναού.

Όταν η Συναγωγή Σαάρ Σιών έκλεισε το 1999, η κοινότητα της συναγωγής δώρισε την κιβωτό του Κατζ στον παθιασμένο συλλέκτη ιουδαϊκών αντικειμένων ραβίνο Ντέηβιντ Α. Γουίμαν.

Το 2023, ο Γουίμαν δώρισε την ιερή κιβωτό στο μουσείο. Τώρα, εκτίθεται για πρώτη φορά, μαζί με ένα σύντομο ντοκιμαντέρ που δείχνει μερικούς ενθουσιασμένους πιστούς να διασώζουν το ιστορικό έργο από τη συναγωγή, το 1999.

Ο Κατζ κατασκεύασε 24 κιβωτούς για συναγωγές στην περιοχή της Βοστώνης. Εκτός από αυτήν του μουσείου, πέντε κομμάτια σώζονται σήμερα στη Συναγωγή Walnut Street, στο Τσέλση, στην Εκκλησία Iglesia de Dios Pentecostal, στο Μπράντφορντ και στο Μουσείο Εβραϊκής Ιστορίας της Βοστώνης.

Η ιερή κιβωτός του μουσείου αναπαριστά την είσοδο ενός ναού, πλαισιωμένη από κορινθιακούς κίονες. Το Αστέρι του Δαυίδ, σύμβολο του Ιουδαϊσμού, κοσμεί το έπιπλο. Δύο χέρια σχηματίζουν την ιερατική χειρονομία της ευλογίας («μπιρκάτ κοχανίμ») στο κέντρο της πόρτας. Λιοντάρια του Ιούδα πλαισιώνουν τις Πλάκες του Νόμου, στις οποίες είναι χαραγμένη μια συντομευμένη εκδοχή των Δέκα Εντολών στα εβραϊκά. Μια κορώνα με αετό στέφει την κιβωτό.

ZoomInImage
Κιβωτός της Τορά (Ιερή Κιβωτός), 1920–1930, του Σάμουελ Κατζ. Ξύλο και μέταλλο με φύλλα χρυσού. 335 x 129 x 50 εκ. Δωρεά του ραβίνου Ντέηβιντ Α. Γουίμαν. Μουσείο Καλών Τεχνών, Βοστώνη. (© Μουσείο Καλών Τεχνών, Βοστώνη)

 

Σύμφωνα με το Εβραϊκό Μουσείο της Νέας Υόρκης, «η εικονογραφία του αετού και οι παραδοσιακές εικόνες των Πινακίδων του Νόμου και των χεριών των ανοιχτών σε ιερατική χειρονομία εμφανίζονταν συχνά στις κιβωτούς της Ανατολικής Ευρώπης από τον 18ο και τον 19ο αιώνα, οι οποίες καταστράφηκαν όλες κατά τη διάρκεια του Β’ Παγκοσμίου Πολέμου».

Η Ντι Νέπι δήλωσε στην εφημερίδα The Boston Globe ότι η ιερή κιβωτός του μουσείου «είναι ένα όμορφο παράδειγμα της μετάδοσης της εβραϊκής καλλιτεχνικής γλώσσας της Ανατολικής Ευρώπης από συναγωγές που δεν υπάρχουν πλέον – αυτός ο πολιτισμός έχει χαθεί – στη σύγχρονη Αμερική».

Η ασπίδα της Τόρα

Μια περίτεχνη μεταλλική πλάκα, γνωστή ως ασπίδα της Τορά ή θώρακας, κρέμεται από μια αλυσίδα μπροστά από τον κύλινδρο της Τορά. Το διακοσμητικό θέμα της ασπίδας απεικονίζει το απόσπασμα που θα διαβαστεί, λειτουργώντας ως μετάβαση, προετοιμάζοντας τον αναγνώστη ή το εκκλησίασμα για υψηλότερη περισυλλογή.

Το 2021, το μουσείο απέκτησε μια σπάνια ασπίδα της Τορά από τον Ρώσο αργυροχόο Ελιμελέχ Τζορέφ. (Το εβραϊκό επώνυμο «Τζορέφ» είναι το οικογενειακό όνομα των χρυσοχόων ή αργυροχόων, σύμφωνα με τον οίκο Sotheby’s.) Δύο ασυνήθιστα στοιχεία κάνουν την ασπίδα εξαιρετική: ο Τζορέφ την υπέγραψε και διακόσμησε το πίσω μέρος με μια αφηγηματική σκηνή. Οι αργυροχόοι σπάνια υπέγραφαν ασπίδες της Τορά και σχεδόν ποτέ δεν διακοσμούσαν το πίσω μέρος.

Το κομμάτι, που πιθανότατα κατασκευάστηκε για ιδιωτική λατρεία, καταδεικνύει την επιδεξιότητα του Τζορέφ σε μια σειρά τεχνικών. Στο μπροστινό μέρος της ασπίδας, ο Τζορέφ δημιούργησε ένα διάτρητο στρώμα από επιχρυσωμένο ασήμι με σπειροειδή σχέδια πάνω σε ένα συμπαγές φύλλο αργύρου. Το μουσείο σημειώνει την εξαιρετική δουλειά του Τζορέφ στο πίσω μέρος της ασπίδας: «Η ποιότητα της χάραξης είναι εξαιρετική, πολύ πιο κοντά στις χαράξεις χαλκού παρά στη μεταλλουργία».

Στο μπροστινό μέρος της ασπίδας, ο Μωυσής και ο Ααρών πλαισιώνουν τις Πλάκες του Νόμου, με μια κορώνα στην κορυφή (που συμβολίζει την Τορά) και τις δύο φιγούρες ενσωματωμένες σε κίονες. Κάτω από τα πόδια κάθε φιγούρας υπάρχει ένα λιοντάρι και πάνω από κάθε στύλο ένα καλάθι γεμάτο φρούτα.

ZoomInImage
Ασπίδα της Τορά, 1781–1782, του Ελιμελέχ Τζορέφ. Ασήμι, επιχρυσωμένο, με σμάλτο, νιέλο (μαύρο κράμα μετάλλου) και πέτρες. 20 × 15 × 3,4 εκ. Αγορά του μουσείου με δωρεά του Ζακ Ααρών Πράις, διαχειριστή, εκ μέρους του  Φιλανθρωπικού Ιδρύματος Φιλίπ Λεονιάν και Έντιθ Ρόζενμπαουμ. Μουσείο Καλών Τεχνών της Βοστώνης. (© Μουσείο Καλών Τεχνών της Βοστώνης)

 

Το ασημένιο-επιχρυσωμένο μπροστινό μέρος αποτελείται από σφυρήλατα διακοσμητικά στοιχεία (μια τεχνική μεταλλουργίας που συνίσταται στο σφυρηλάτημα της πίσω πλευράς για τη δημιουργία σχεδίων χαμηλού αναγλύφου). Είναι γεμάτο ρεαλιστικά και φανταστικά φυτά και ζώα: πουλιά, δράκους, ερπετά και θαλάσσια πλάσματα. Έξι χρυσές πλακέτες με ένα βόδι, ένα ελάφι, μια αρκούδα, πρόβατα, μια λεοπάρδαλη και έναν ελέφαντα με χαουντάχ (ένα είδος σέλας που μοιάζει με θρόνο) πλαισιώνουν την κεντρική σκηνή.

Στο πίσω μέρος της ασπίδας, ο Τζορέφ χάραξε δύο σκηνές του Ισαάκ στο ασήμι. Τοποθέτησε την κεντρική σκηνή της «Ευλογίας του Ισαάκ» σε ένα περίτεχνο ροκοκό αρχιτεκτονικό πλαίσιο, με τη χάραξη να μιμείται καμπύλες σκαλισμένες σε ξύλο που περιπλέκονται με φυτικά σπειροειδή μοτίβα. Χάραξε τη «Θυσία του Ισαάκ» στο πάνω μέρος του πλαισίου και έναν Λευίτη που πλένει τα χέρια του Κοέν, στη βάση του πλαισίου. Δύο κεφάλια λιονταριών κρατούν την αλυσίδα της ασπίδας της Τορά στα σαγόνια τους.

ZoomInImage
Ασπίδα της Τορά (πίσω όψη), 1781–1782, του Ελιμέλεχ Τζορέφ. Ασήμι, επιχρυσωμένο, με σμάλτο, νιέλο (μαύρο κράμα μετάλλου) και πέτρες. 20 x15 x 3,4 εκ. Αγορά του μουσείου με δωρεά του Ζακ Ααρών Πράις, διαχειριστή, εκ μέρους του  Φιλανθρωπικού Ιδρύματος Φιλίπ Λεονιάν και Έντιθ Ρόζενμπαουμ. Μουσείο Καλών Τεχνών της Βοστώνης. (© Μουσείο Καλών Τεχνών της Βοστώνης)

 

«Ο Ταλμουδιστής»

Στον πίνακά του «Ο Ταλμουδιστής», ο Αμερικανός ζωγράφος Ιακώβ Μπίντερ (1887–1984), που ζούσε στη Βοστώνη, απεικόνισε έναν ευσεβή Εβραίο που μελετάει το Ταλμούδ, το κύριο κείμενο του ραβινικού ιουδαϊσμού.

Κάθε στοιχείο που ζωγράφισε ο ρωσικής καταγωγής Μπίντερ μεταδίδει την ευσέβεια του άνδρα. Είναι βαθιά συγκεντρωμένος, ακουμπώντας το χέρι του στο ελαφρώς ρυτιδωμένο μέτωπό του. Φοράει ένα ταλίτ (ένα προσευχητικό σάλι, παρόμοιο με μερικά από τα εκθέματα που παρουσιάζονται). Στο βάθος, φαίνονται δερματόδετοι τόμοι του Ταλμούδ, τοποθετημένοι σε ένα ράφι.

ZoomInImage
Ιακώβ Μπίντερ, «Ο Ταλμουδιστής», 1919. Λάδι σε καμβά, 106,7 × 101,7 εκ. Δωρεά φιλότεχνων μέσω επιτροπής αποτελούμενης από τους Αλεξάντερ Μπριν, Καρλ Ντρέυφους, Λούις Ε. Κίρσταϊν, Α. Τζ. Φίλποτ και Α. Σ. Ράτσεσκι. Μουσείο Καλών Τεχνών της Βοστώνης. (© Μουσείο Καλών Τεχνών της Βοστώνης)

 

Ο Μπίντερ επέλεξε μια παλέτα από πλούσια καφέ και μαύρα χρώματα για το έργο, παρόμοια με τα έργα του Τζον Σίνγκερ Σάρτζεντ (1856–1925), δάσκαλο του Μπίντερ.

Ο κύκλος τοιχογραφιών του Σάρτζεντ, «Ο θρίαμβος της θρησκείας» (1890–1919), στη Δημόσια Βιβλιοθήκη της Βοστώνης προκάλεσε δημόσια κατακραυγή από την εβραϊκή κοινότητα, που θεώρησε τον πίνακά του «Συναγωγή», στον οποίο απεικονίζεται μια γυναίκα σκυμμένη και με δεμένα μάτια, ως προσβολή προς τον ιουδαϊσμό.

Σε απάντηση, ο Αλεξάντερ Μπριν, εκδότης της εφημερίδας The Jewish Advocate, συγκέντρωσε χρήματα από την κοινότητα για να αγοράσει τον πίνακα «Ο Ταλμουδιστής» για το μουσείο. Θεώρησε σημαντικό για το μουσείο να περιλαμβάνει «την πιο χαρακτηριστική απεικόνιση που θα μπορούσε να κάνει ένας αξιοπρεπής καλλιτέχνης εβραϊκής καταγωγής που σέβεται τον εαυτό του». Ο πίνακας του Μπίντερ αποτελεί, επομένως, μαρτυρία της πρόθεσης της εβραϊκής κοινότητας της Βοστώνης να προστατεύσει την πίστη της.

ZoomInImage
Η έκθεση «Intentional Beauty: Jewish Ritual Art From the Collection» παρουσιάζεται στη γκαλερί Μπέρναρντ και Μπάρμπαρα Στερν Σάπιρο του Μουσείου Καλών Τεχνών της Βοστώνης. Η εικόνα περιλαμβάνει (από αριστερά προς τα δεξιά) ένα κάλυμμα κεφαλής από την Υεμένη του τέλους του 19ου έως τις αρχές του 20ου αιώνα, ένα ιταλικό «ταλίτ κατάν» του 18ου αιώνα για αγόρι, ένα ολλανδικό «ταλίτ» του 18ου αιώνα (μαντίλι προσευχής), έναν πίνακα του 1919 με τίτλο «Ο Ταλμουδιστής» του Ιακώβ Μπίντερ και μια ινδική Αγκαδά του τέλους του 19ου αιώνα. «Ταλίτ κατάν» σημαίνει «μικρό ταλίτ» ή μικρό μαντίλι προσευχής, το οποίο φοριέται ως υποκάμισο, χωρίς όμως να αγγίζει το δέρμα. (© Μουσείο Καλών Τεχνών, Βοστώνη)

 

Το 1925, η κοινότητα δώρισε τον πίνακα «Ο Ταλμουδιστής» στο μουσείο. Εκατό χρόνια αργότερα, εκτίθεται για πρώτη φορά στο μουσείο.

Μαζί, αυτά τα εκθέματα ρίχνουν φως στην ιουδαϊκή τέχνη και τον θεϊκό σκοπό της. Με τα λόγια του ραβίνου Σακς: «Η τέχνη στον Ιουδαϊσμό έχει πάντα έναν πνευματικό σκοπό: να μας κάνει να συνειδητοποιήσουμε ότι το σύμπαν είναι ένα έργο τέχνης, που μαρτυρά τον υπέρτατο Καλλιτέχνη, τον ίδιο τον Θεό».

Η τελειότητα των βοτανογραφιών του Πιερ-Ζοζέφ Ρεντουτέ

Αν και πολλοί δεν έχουν ακούσει ποτέ το όνομα Πιερ-Ζοζέφ Ρεντουτέ, οι περισσότεροι γνωρίζουν τη δουλειά του. Οι εικόνες του, με θέμα πάντα από το φυτικό βασίλειο, έχουν τυπωθεί και κυκλοφορήσει ευρέως σε τσάντες, καρτ-ποστάλ, υφάσματα και άλλα παρόμοια προϊόντα.

Κάθε είδους λουλούδια και άλλα φυτά αποτυπώνονταν με θαυμαστή ακρίβεια, αλλά και ευαισθησία από το πινέλο και τη γραφίδα του Γάλλου καλλιτέχνη. Οι δημιουργίες του διακρίνονταν τόσο για την επιστημονική τους τεκμηρίωση όσο και για την καλαισθησία τους.

ZoomInImage
Πιερ-Ζοζέφ Ρεντουτέ, «Μπουκέτο λουλουδιών με έντομα». 25 × 17 εκ, ακουαρέλα με χρυσό σε περγαμηνή. Ίδρυμα Άιλσα Μέλλον Μπρους. Εθνική Πινακοθήκη, Ουάσιγκτον. (Public Domain)

 

Ο Πιερ-Ζοζέφ Ρεντουτέ (Pierre-Joseph Redouté, 1759–1840) διέπρεψε και στα τρία είδη εικαστικής αναπαράστασης της χλωρίδας: τη ζωγραφική, την εικονογράφηση και τη βοτανική τέχνη. Κάθε είδος έχει έναν ξεχωριστό σκοπό. Η βοτανική τέχνη απαιτεί την ίδια ακρίβεια με την εικονογράφηση, αλλά δημιουργείται για καθαρά αισθητικούς λόγους. Οι ζωγραφικές απεικονίσεις λουλουδιών αγγίζουν το φανταστικό και δεν χρειάζεται να είναι απόλυτα ακριβείς.

ZoomInImage
Πιερ-Ζοζέφ Ρεντουτέ, «Μπουκέτο λουλουδιών». 70 x 56 εκ., ακουαρέλα σε περγαμηνή. Ιδιωτική συλλογή. (Public Domain)

 

Ο σκοπός των βοτανικών εικονογραφήσεων είναι επιστημονικός. Ακριβή και λεπτομερή σχέδια δημιουργούνται από ζωντανά φυτά ή δείγματα και συνήθως περιλαμβάνουν τον κύκλο ζωής και όλα τα μέρη του φυτού. Ένα καλό παράδειγμα αποτελεί η ακουαρέλα του Ρεντουτέ της ερείκης Erica fulgida, που συνοδεύεται από σκίτσα των επιμέρους τμημάτων του λουλουδιού στο κάτω μέρος της εικόνας, αριθμημένα από το ένα έως το πέντε.

ZoomInImage
Πιερ-Ζοζέφ Ρεντουτέ, «Erica Fulgida», 1813. 43 x 27 εκ., ακουαρέλα και γραφίτης σε περγαμηνή. Εικονογράφηση για το βιβλίο «Description des Plantes Rares Cultivées à Malmaison et à Navarre» («Περιγραφή σπάνιων φυτών που καλλιεργούνται στη Μαλμαιζόν και τη Ναβάρρα»).  Δωρεά της Άννας Χ. Μπας (2015), Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη. (Public Domain)

 

Οι βοτανολόγοι σήμερα βασίζονται περισσότερο στις βοτανικές εικονογραφήσεις παρά στις φωτογραφίες. Η Άλις Ταντζερίνι, εικονογράφος στο τμήμα βοτανικής του Εθνικού Μουσείου Φυσικής Ιστορίας του Ιδρύματος Σμιθσόνιαν, εξήγησε ότι οι βοτανικές εικονογραφήσεις «απεικονίζουν αυτό που περιγράφει ένας βοτανολόγος, επικυρώνοντας την επιστημονική ανάλυση. Η ψηφιακή φωτογραφία, αν και χρησιμοποιείται όλο και περισσότερο, δεν μπορεί να αναδείξει τις λεπτομέρειες των μερών του φυτού που ένας επιστήμονας μπορεί να θέλει να τονίσει, και μια φωτογραφική μηχανή δεν μπορεί να ανακατασκευάσει ένα ρεαλιστικό βοτανικό δείγμα από αποξηραμένο, συμπιεσμένο υλικό.»

Η βοτανική τέχνη τον 18ο αιώνα

Η καλλιέργεια, η μελέτη και η συλλογή εξωτικών φυτών και λουλουδιών ήταν ιδιαίτερα δημοφιλείς τον 16ο αιώνα. Οι πρώτοι βοτανολόγοι έκαναν εικονογραφήσεις στην ύπαιθρο ή προσλάμβαναν καλλιτέχνες για να τους συνοδεύουν στις εξορμήσεις τους, αντί να διακινδυνεύουν να καταστρέψουν τα δείγματα μεταφέροντάς τα.

«Ο σκοπός της τέχνης της φυσικής ιστορίας είναι να βοηθήσει τους επιστήμονες στο έργο τους να αναγνωρίσουν, να περιγράψουν, να ταξινομήσουν και να ονομάσουν τα είδη», λέει σε ένα βίντεο η Τζούντιθ Μαγκή, επιμελήτρια σπάνιων βιβλίων, χειρογράφων και έργων τέχνης στο Μουσείο Φυσικής Ιστορίας του Λονδίνου. Ένας συλλέκτης θα έκανε λεπτομερείς εικονογραφήσεις των φυτών και θα τις δημοσίευε ως χαρακτικά ή γκραβούρες σε ένα άλμπουμ που ονομάζεται «florilegium», που μεταφράζεται από τα λατινικά ως «Φυτολόγιο».

Τον 18ο αιώνα, οι βοτανολόγοι άρχισαν να χρησιμοποιούν τις νέες ταξινομήσεις του Σουηδού ταξινομητή Καρόλου Λινναίου για τον φυσικό κόσμο (σε βασίλεια και τάξεις), όπως αναφέρονται στο έργο του «Systema Naturae» του 1735, ένα σύστημα ταξινόμησης που χρησιμοποιούμε μέχρι σήμερα.

ZoomInImage
Λουί-Λεοπόλντ Μπουαγί, «Πορτρέτο του Πιερ-Ζοζέφ Ρεντουτέ», περ. 1800. Λάδι σε καμβά, 15 × 20 εκ. (Public Domain)

 

Κατά τη διάρκεια της ζωής του (και μετά), ο βοτανογράφος Ρεντουτέ αναγνωρίστηκε ως ο κορυφαίος καλλιτέχνης στον τομέα του,  αγαπημένος των βασιλέων και των αριστοκρατών, με τη Μαρία Αντουανέτα και την Ιωσηφίνα Βοναπάρτη να αποτελούν τις δύο πιο γνωστές προστάτιδες και μαθήτριές του.

ZoomInImage
Ζυλί Ριμπώ, «Η Σχολή Βοτανικής Ζωγραφικής του Πιερ-Ζοζέφ Ρεντουτέ στην Αίθουσα Μπουφόν του Κήπου των Φυτών», 1830. Γραφίδα και ακουαρέλα, 27 × 35 εκ. Μουσείο Φιτζγουίλιαμ, Κέιμπριτζ, Αγγλία. (Public Domain)

 

Δημιούργησε πάνω από 2.100 εικόνες λουλουδιών, που καλύπτουν περισσότερα από 1.800 είδη, μερικά από τα οποία δεν είχαν καταγραφεί ποτέ πριν, ενώ άλλα έχουν εξαφανιστεί από τότε.

«Πιστεύω ότι κατάφερα να επιτύχω τον τριπλό συνδυασμό ακρίβειας, σύνθεσης και χρώματος, η ένωση των οποίων είναι το μόνο μέσο για να φτάσει η βοτανογραφία στην τελειότητα», είχε πει ο Ρεντουτέ για την τέχνη του το 1817, σύμφωνα με το βιβλίο του συγγραφέα Ντ. Γουόλτερ Λακ με τίτλο «Ρεντουτέ: Το βιβλίο των λουλουδιών».

Εκτός από τα πιο γνωστά έργα του «Les Roses» και «Les Liliacées», ο Ρεντουτέ απεικόνισε και άλλα είδη φυτών. Για παράδειγμα, ζωγράφισε εντυπωσιακά παχύφυτα και κάκτους, όπως ο Heliocereus speciosus σε πλήρη άνθιση (προπαρασκευαστικό σχέδιο με ακουαρέλα σε περγαμηνή, που φυλάσσεται στο Μουσείο Τέχνης του Λος Άντζελες). Ο Ρεντουτέ δημιούργησε επίσης μονοχρωματικές μελέτες δέντρων της Βόρειας Αμερικής για το έργο του Αντρέ Μισώ «Ιστορία των δρυών της Αμερικής» («Histoire des Chênes de l’Amérique», 1801), που είχε ως στόχο να αναδείξει τα δέντρα που θα μπορούσαν να αναδασώσουν τη γαλλική ύπαιθρο.

ZoomInImage
Πιερ-Ζοζέφ Ρεντουτέ, «Ένας ανθισμένος κάκτος: Heliocereus Speciosus», 1831. Ακουαρέλα σε περγαμηνή. 70 x 57 εκ. Δωρεά της Επιτροπής Συλλεκτών του 2003. Μουσείο Τέχνης του Λος Άντζελες. (Museum Associates/LACMA)

 

Ο δρόμος προς την τελειότητα

Γεννημένος στο Σαιντ Υμπέρ της Αρδέννης, στο σημερινή Βέλγιο, ο Ρεντουτέ έμαθε να ζωγραφίζει από τον πατέρα του, ο οποίος είχε μάθει από τον δικό του πατέρα. Σε ηλικία 6 ετών, δημιουργούσε μικρά έργα και όταν ήταν 13 ετών έφυγε από το σπίτι για να κερδίσει τα προς το ζην ως περιπλανώμενος καλλιτέχνης. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, σπούδασε με Φλαμανδούς δασκάλους στη Φλάνδρα και τις Κάτω Χώρες και ανακάλυψε τα έργα των Ολλανδών ζωγράφων λουλουδιών Ράχελ Ρούις και Γιαν βαν Χούισουμ.

Στο Παρίσι, σχεδίαζε σκηνικά μαζί με τον μεγαλύτερο αδελφό του. Στον ελεύθερο χρόνο του, έμαθε την έγχρωμη εκτύπωση και παρακολούθησε διαλέξεις του Γκέραρντ φαν Σπάντονκ, Ολλανδού ζωγράφου και επίσημου βασιλικού καθηγητή ζωγραφικής της γαλλικής Αυλής.

Επίσης, σχεδίαζε και ζωγράφιζε σπάνια φυτά στα θερμοκήπια του Βασιλικού Κήπου Φαρμακευτικών Φυτών (Le Jardin Royal des Plantes Médicinales). Σε ένα ταξίδι του στα θερμοκήπια, γνώρισε τον αριστοκράτη, βιολόγο και άπληστο συλλέκτη φυτών Σαρλ Λ’ Εριτιέ, ο οποίος τού δίδαξε ανατομία των φυτών, ανάλυση και πώς να δημιουργεί εικονογραφήσεις για βοτανολόγους. Ο Λ’ Εριτιέ ανέθεσε αρχικά στον Ρεντουτέ να δημιουργήσει 50 σχέδια για χαρακτικά στο έργο του «Stirpes Novae» («Νέα Φυτά», 1784–1785).

Ο Ρεντουτέ δημιούργησε συνολικά 500 σχέδια για τον Λ’ Εριτιέ, συμπεριλαμβανομένων σπάνιων φυτών που φύονταν στους Κήπους Κιου. Τα σχέδια αυτά δημοσιεύτηκαν το 1788 με τον τίτλο «Sertum Anglican».

Ο Ρεντουτέ έμαθε να ζωγραφίζει με ακουαρέλα σε περγαμηνή από τον βασιλικό ζωγράφο λουλουδιών βαν Σπάντονκ, ο οποίος επέβλεπε τα έργα του Ρεντουτέ για το «Les Vélins du Roi» («Οι περγαμηνές του βασιλιά»), ένα έγγραφο με σχεδόν 7.000 πίνακες που καταγράφουν τη βασιλική συλλογή χλωρίδας και πανίδας. Ο βασιλικός χαράκτης Ζιλ Ντεμαρτώ δίδαξε στον Ρεντουτέ την τεχνική χάραξης με κουκκίδες, και το 1790 ο Ρεντουτέ έμαθε την τεχνική της έγχρωμης εκτύπωσης με κουκκίδες από τον Ιταλό χαράκτη Φραντσέσκο Μπαρτολότσι στους Κήπους Κιου, στην Αγγλία. Σε αυτήν την τεχνική, οι καλλιτέχνες χαράσσουν κουκκίδες διαφορετικής πυκνότητας, αντί για γραμμές, για να αποδώσουν τον τόνο και τις αποχρώσεις.

Όταν η Μαρία Αντουανέτα ανέθεσε την εργασία στον Ρεντουτέ, αυτός είχε στη διάθεσή του ολόκληρο το νέο Μικρό Τριανόν και τους κήπους του, που ο βασιλιάς Λουδοβίκος ΙΣΤ΄ είχε χαρίσει στη βασίλισσα του με τη διάσημη φράση: «Σε σένα που αγαπάς τόσο τα λουλούδια, σου προσφέρω αυτό το μπουκέτο».

Πρωτοποριακές εκτυπώσεις

Ο Ρεντουτέ επιχρωμάτιζε με ακουαρέλα τις εκτυπώσεις του, που αρχικά γίνονταν σε χαρτί και αργότερα σε περγαμηνή. Στα πρώτα του έργα, χρησιμοποιούσε τη γραμμική χαρακτική, ενώ αργότερα τελειοποίησε την έγχρωμη χαρακτική με κουκκίδες, η οποία του επέτρεπε να αποδίδει πιο λεπτές τονικές διαβαθμίσεις και σκιές. Ήταν αυτός που εισήγαγε τη χαρακτική με κουκκίδες στη Γαλλία και στη βοτανική τέχνη.

ZoomInImage
Πιερ-Ζοζέφ Ρεντουτέ, «Ρόδο των λιβαδιών» (Rosa Carolina Corymbosa), 1817–1824. Ακουαρέλα σε περγαμηνή. Δωρεά εκ μέρους του Γουόρεν Χ. Κόρνινγκ από τη σύζυγό του και τα παιδιά του, Μουσείο Τέχνης του Κλήβελαντ. (Public Domain)

 

Ο Ρεντουτέ εκτύπωνε πρώτα μερικά αντίτυπα με μαύρο μελάνι στις καινούργιες πλάκες. Αυτό αφαιρούσε την αιχμηρότητα των εκτυπώσεων που γίνονταν με τις παρθένες πλάκες. Επέλεγε χαρτί με ωχροκίτρινη απόχρωση για τις μαύρες εκτυπώσεις, ώστε να αναδείξει τους λεπτούς τόνους της χάραξης με κουκκίδες, οι οποίοι θα υποβαθμίζονταν στο λευκό χαρτί. Δημοσίευσε αυτές τις μονόχρωμες εκτυπώσεις σε ειδικές εκδόσεις των βιβλίων του.

Η χρονοβόρος τεχνική που χρησιμοποιούσε ο Ρεντουτέ για να απεικονίσει τα χρωματιστά φυτά απαιτούσε την προσθήκη όλων των χρωμάτων μελάνης ταυτόχρονα. Αυτό συνεπαγόταν τη χρήση ενός μικροσκοπικού δερμάτινου σφουγγαριού ή βαμβακερού σφουγγαριού σε μια πλάκα με κουκκίδες, επιτρέποντας στους λεπτούς απαλούς τόνους και τα καμπύλα σχήματα των φυτών να αναδυθούν. Μετά την εκτύπωση, ο Ρεντουτέ χρωμάτιζε με το χέρι τις εικόνες και στη συνέχεια κατέστρεφε τις  πλάκες για να αποτρέψει την παραγωγή περαιτέρω αντιτύπων.

ZoomInImage
Πιερ-Ζοζέφ Ρεντουτέ, «Ornithogalum Longibracteatum», 1802–1816. Χαρακτικό με κουκκίδες και γραμμές, επιχρωματισμένο στο χέρι για το «Les Liliacées». Δωρεά του Κλαμπ Εκτυπώσεων του Κλήβελαντ προς τιμήν του Άρνολντ Μ. Ντέηβις, Μουσείο Τέχνης του Κλήβελαντ. (Public Domain)

 

Τριαντάφυλλα και κρίνοι

Το 1798, η σύζυγος του Ναπολέοντα, η αυτοκράτειρα Ιωσηφίνα, ανέθεσε για πρώτη φορά στον Ρεντουτέ να ζωγραφίσει μερικές ακουαρέλες για την κρεβατοκάμαρά της στη Μαλμαιζόν, περίπου 15 χιλιόμετρα από το κέντρο του Παρισιού. Οι επόμενες παραγγελίες δημοσιεύτηκαν στο βιβλίο του βοτανολόγου Ετιέν Πιερ Βεντενά «Jardin de la Malmaison» («Κήπος της Μαλμαιζόν») και στο βιβλίο του βοτανολόγου Αιμέ Ζακ Αλεξάντρ Μπονπλάν «Description des Plantes Rares Cultivées à Malmaison et à Navarre» («Περιγραφή των σπάνιων φυτών που καλλιεργούνται στη Μαλμαιζόν και τη Ναβάρρα»).

Ως ένθερμη συλλέκτρια λουλουδιών, η Ιωσηφίνα είχε κάθε γνωστό είδος τριαντάφυλλου στους κήπους της Μαλμαιζόν. Ο πόλεμος δεν την εμπόδισε να επεκτείνει τους κήπους της – το αντίθετο μάλλον συνέβη, καθώς ο Ναπολέων διέταξε τους ναυάρχους του να ψάχνουν κάθε πλοίο για φυτά για τον κήπο της. Ακόμη και όταν η Γαλλία και η Αγγλία ήταν σε εμπόλεμη κατάσταση, η Ιωσηφίνα εισήγαγε τριαντάφυλλα μέσω του Άγγλου φυτοκόμου της. Και ο Σερ Τζόζεφ Μπανκς, διευθυντής των Βασιλικών Βοτανικών Κήπων Κιου, της έστελνε τριαντάφυλλα.

Στον πρόλογό του «Jardin de la Malmaison» (1803), ο Βεντενά απευθύνεται στην Ιωσηφίνα και στην αγάπη της για τη συλλογή λουλουδιών. Τα φυτά της ήταν «τα σπανιότερα φυτά της γαλλικής γης [και] το πιο γλυκό ενθύμιο των κατακτήσεων του επιφανούς συζύγου της».

Ο Ρεντουτέ δημιούργησε τα πιο γνωστά έργα του υπό την αιγίδα της Ιωσηφίνας: «Les Roses» και «Les Liliacées». Δημιούργησε τους τρεις τόμους του «Les Roses» μεταξύ 1817 και 1824, δημοσιεύοντας τις 168 πλάκες σε 30 συνέχειες. Ο βοτανολόγος Κλωντ Αντουάν Τορύ έγραψε επιστημονικές περιγραφές για κάθε δείγμα.

ZoomInImage
Πιερ-Ζοζέφ Ρεντουτέ, «Rosa Centifolia Simplex», 1817–1824. Ακουαρέλα σε περγαμηνή. Δωρεά εκ μέρους του Γουόρεν Χ. Κόρνινγκ, από τη σύζυγό του και τα παιδιά του, Μουσείο Τέχνης του Κλήβελαντ. (Public Domain)

 

Οι ειδικοί πιστεύουν ότι οι πλάκες του «Les Roses» έχουν καλλιτεχνική, βοτανική και τεκμηριωτική αξία, τόσο για τα είδη και τις ποικιλίες που εξακολουθούν να υπάρχουν όσο και για εκείνα που έχουν εξαφανιστεί. Η Ιωσηφίνα δεν είδε ποτέ το αριστούργημα του Ρεντουτέ, καθώς πέθανε πριν ολοκληρωθεί το έργο.

ZoomInImage
Πιερ-Ζοζέφ Ρεντουτέ, «Αυτοκράτειρα Ιωσηφίνα ή Τριανταφυλλιά της Φρανκφούρτης (Rosa Turbinata)», 1817–1824. Έγχρωμο χαρακτικό με κουκκίδες για το «Les Roses»· 48 × 71 εκ. Δωρεά των Κάθυ και Μάικλ Μουρόν, προς τιμήν του Γ. Γκράχαμ Αράντερ Γ΄ (2018), Μητροπολιτικό Μουσείο Τέχνης, Νέα Υόρκη. (Public Domain)

 

Το «Les Liliacées» ήταν το μεγαλύτερο έργο του Ρεντουτέ, με οκτώ τόμους και 503 πλάκες, που εκδόθηκε σε 80 τεύχη μεταξύ 1802 και 1816. Τα έργα δεν περιέχουν μόνο κρίνα, αλλά και λουλούδια εκτός της οικογένειας των κρίνων, όπως ίριδες, ορχιδέες, ελικόνιες, αγαύες, αμαρυλλίδες και βρομελιές, συμπεριλαμβανομένων του ανανά και της μπανάνας. Ο Redouté χρωμάτισε με το χέρι 18 μεγάλα αντίγραφα του «Les Liliacées» σε χαρτί.

ZoomInImage
Πιερ-Ζοζέφ Ρεντουτέ, «Limodorum Purpureum», 1802–1816.  Επιχρωματισμένο χαρακτικό με γραμμές και κουκκίδες από το «Les Lilacées». Δωρεά του Print Club of Cleveland προς τιμήν του Arnold M. Davis, The Cleveland Museum of Art. (Public Domain)

 

ZoomInImage
Πιερ-Ζοζέφ Ρεντουτέ, «Scilla Amaena», 1802–1816. Επιχρωματισμένο χαρακτικό με γραμμές και κουκκίδες από το «Les Lilacées». Δωρεά του Print Club of Cleveland προς τιμήν του Arnold M. Davis, The Cleveland Museum of Art. (Public Domain)

 

Προς τιμήν της Ιωσηφίνας μετονόμασε έναν κρίνο: τον Brunsvigia josephinae, κοινώς γνωστό ως κρίνος της Ιωσηφίνας ή κρίνος κηροπήγιο, ο οποίος χρειάζεται πάνω από μια δεκαετία για να αναπτύξει το ριζικό του σύστημα πριν ανθίσει. Η Ιωσηφίνα αγόρασε έναν βολβό στην Ολλανδία, αφού είχε ανθίσει για πρώτη φορά μετά από 20 χρόνια. Ο Ρεντουτέ σημείωσε ότι με τη φροντίδα της Ιωσηφίνας ξαναάνθισε δύο φορές, και γι’ αυτό τον μετονόμασε.

ZoomInImage
Πιερ-Ζοζέφ Ρεντουτέ, «Amaryllis Josephinae» (γνωστή και ως «Brunsvigia Josephinae» ή «κρίνος της Ιωσηφίνας»), περίπου 1809–1812. Ακουαρέλα πάνω από γραφίτη σε περγαμηνή, 48 × 71 εκ. Δωρεά του Ίρα Μπριντ, στη μνήμη της Μύρνα Μπριντ και προς τιμήν του Ντέηβιντ Μπριντ (2012), Μουσείο Τέχνης της Φιλαδέλφειας. (Public Domain)

 

Μετά το θάνατο του Ρεντουτέ, ένας φίλος του δημοσιογράφος έγραψε για το «Les Liliacées»:

«Αυτή η λαμπερή και κομψή οικογένεια των κρίνων, με την τόσο δύσκολη γενεαλογία και τα διάφορα είδη που αναμειγνύονται και συγχωνεύονται τόσο καλά, χρειαζόταν έναν ιδιοφυή άνθρωπο για να την περιγράψει.»

Άνοιξαν οι αιτήσεις για τον 7ο Διεθνή Διαγωνισμό Πορτρέτου NTD 2025

Ο 7ος Διεθνής Διαγωνισμός Πορτρέτου NTD (NIFPC) ανοίγει τις πόρτες του για καλλιτέχνες από όλον τον κόσμο που θα ήθελαν να συμμετάσχουν με εντυπωσιακά πορτρέτα ζωγραφισμένα με λάδι και με ρεαλιστική τεχνοτροπία. Στόχος και της φετινής διοργάνωσης είναι να προβληθούν η ανθρωπιά και οι παραδοσιακές αξίες μέσω της παραστατικής τέχνης, προσφέροντας ταυτόχρονα στους συμμετέχοντες την ευκαιρία να προβάλουν τη δουλειά τους και να διαγωνιστούν για σημαντικά χρηματικά βραβεία.

Ανεξαρτήτως αν πρόκειται για επαγγελματίες ή ερασιτέχνες, φοιτητές ή καταξιωμένους καλλιτέχνες, όλοι οι συμμετέχοντες θα έχουν την ευκαιρία να διαγωνιστούν για το χρυσό βραβείο των 10.000 δολαρίων, δύο ασημένια βραβεία των 3.000 δολαρίων, τρία χάλκινα βραβεία των 1.500 δολαρίων, καθώς και πολλές άλλες κατηγορίες βραβείων των 1.000 δολαρίων, όπως για την ανθρωπιά, την εξαιρετική τεχνική και τη νεότητα.

Οι φιναλίστ θα προσκληθούν σε σεμινάρια και θα έχουν την ευκαιρία να επισκεφτούν μουσεία και γκαλερί. Τα έργα τους θα παρουσιαστούν τόσο διαδικτυακά όσο και στην έκθεση που θα πραγματοποιηθεί στο διάσημο Salmagundi Club της Νέας Υόρκης. Η τελετή απονομής θα γίνει εκεί τον Ιανουάριο του 2026, με την ακριβή ημερομηνία να προσδιορίζεται αργότερα. Ο διαγωνισμός, ο οποίος διοργανώνεται από το NTD Television και αποτελεί μέρος των εκδηλώσεων του ομίλου ενημέρωσης The Epoch Times, προάγει την «αγνότητα της αλήθειας, της καλοσύνης και της ομορφιάς στην παραδοσιακή ζωγραφική».

Τέχνη που εμπνέει ελπίδα

Ο NIFPC ενθαρρύνει τους καλλιτέχνες να δημιουργήσουν έργα που αναδεικνύουν την ελπίδα, τις παραδοσιακές αξίες και παγκόσμια ιδανικά όπως η ομορφιά, η αρετή και η συμπόνια. Ο διάσημος γλύπτης και πρόεδρος της κριτικής επιτροπής Τζανγκ Κουνλούν (Zhang Kunlun) εξηγεί την αξία του ρεαλιστικού ζωγραφικού πορτρέτου: «Η απεικόνιση της ανθρώπινης μορφής είναι η πιο δύσκολη. Δοκιμάζει τις ικανότητες ενός καλλιτέχνη και αποτελεί έναν πνευματικό δρόμο. Οι διάφορες θρησκείες αναφέρουν ότι οι θεοί δημιούργησαν τους ανθρώπους κατ’ εικόνα τους. Χρησιμοποιώντας αυθεντικές τεχνικές παραστατικής ζωγραφικής, εκφράζουμε σεβασμό στην ανθρωπότητα.»

Οι νικητές του περσινού διαγωνισμού

Στον 6ο διαγωνισμό, συμμετείχαν εκατοντάδες καλλιτέχνες από όλον τον κόσμο, με τους κριτές να επιλέγουν 50 φιναλίστ από περίπου 20 χώρες. Οι πίνακες κάλυπταν μια ποικιλία θεμάτων, από αυτοπορτρέτα μέχρι σκηνές θρησκευτικών διώξεων και πνευματικές αναζητήσεις. Η Ταϊβανέζα καλλιτέχνης Chen Hung-Yu κέρδισε το ασημένιο βραβείο, μαζί με δύο συναδέλφους της, για το τρίπτυχο «Η ατελείωτη χάρη του Βούδα», το οποίο απεικονίζει την πνευματική σωτηρία της ανθρωπότητας. Σχολιάζοντας τη νίκη της, είπε: «Όταν παρέλαβα το μετάλλιο, ένιωσα ότι κουβαλούσα το βάρος της αποστολής να συνεχίσω την παραδοσιακή ζωγραφική».

Η Ταϊβανέζα καλλιτέχνης Chen Hung-Yu. (Samira Bouaou/The Epoch Times)

 

Ο Βραζιλιάνος Clodoaldo Geovani Martins κέρδισε το χάλκινο βραβείο για το έργο  του «Bath Time», ενώ ο Αμερικανός καλλιτέχνης John Darley, που κέρδισε επίσης ένα χάλκινο βραβείο με το πορτρέτο «Vivian», δήλωσε: «Όταν κάποιος εκτιμά τη δουλειά σου και σου δίνει ένα βραβείο, ειδικά χρηματικό, αυτό πραγματικά ενισχύει τη θέληση σου να συνεχίσεις.»

Clodoaldo Geovani Martins , «Bath Time», Βραζιλία. Λάδι σε καμβά, 92 x 102 εκ. (Ευγενική παραχώρηση του Διεθνούς Διαγωνισμού Πορτρέτου NTD).

 

Ο Αμερικανός καλλιτέχνης John Darley με το βραβείο που κέρδισε για το πορτρέτο «Vivian» στον 6ο Διεθνή Διαγωνισμό Πορτρέτου NTD. (Samira Bouaou/The Epoch Times)

 

Οι καλλιτέχνες έχουν προθεσμία έως τις 31 Ιουλίου για να καταθέσουν τη συμμετοχή τους στον 7ο Διεθνή Διαγωνισμό Πορτρέτου NTD.

Για περισσότερες πληροφορίες, επισκεφθείτε το OilPainting.NTDTV.com

 

Ένας διεθνής διαγωνισμός φωτογραφίας για τη διατήρηση της παραδοσιακής αισθητικής

Τον 20ο αιώνα, ο Αμερικανός φωτογράφος Ansel Adams (1902–1984) υποστήριζε: «Πιστεύω ότι υπάρχει ομορφιά σε όλα και ότι η φύση έχει την ικανότητα να μας εμπνέει όλους».

Αν και στις μέρες μας, η παρέμβαση σε μία φωτογραφία και η αλλοίωση της φυσικότητας του θέματος είναι κάτι το αρκετά συνηθισμένο, ο Διεθνής Διαγωνισμός Φωτογραφίας του NTD (NIPC) έχει αποστολή τη «διατήρηση της παραδοσιακής αισθητικής».

Οι συμμετέχοντες στον διαγωνισμό καλούνται να υποβάλουν φωτογραφίες τις οποίες δεν έχουν επεξεργαστεί ψηφιακά, αν και μπορούν να προσαρμόσουν τη φωτεινότητα, την ευκρίνεια και την ισορροπία χρωμάτων στις εικόνες τους. Στόχος του διαγωνισμού η ανάδειξη της φύσης και της δεξιοτεχνίας του φωτογράφου, η τεχνική αρτιότητα και το καλλιτεχνικό αισθητήριο.

Στην πέμπτη επανάληψή του, ο NIPC προσκαλεί ερασιτέχνες και επαγγελματίες φωτογράφους από όλο τον κόσμο να υποβάλλουν φωτεινές, νατουραλιστικές εικόνες που απεικονίζουν την ομορφιά και την ευγένεια, και να διαγωνιστούν για το πρώτο βραβείο των $5.000 ή για φωτογραφικά προϊόντα και εξοπλισμό αντίστοιχης αξίας.

Αιχμαλωτίζοντας την καλοσύνη

Ο Άγγλος φιλόσοφος Ρότζερ Σκράτον είχε πει: «Η φωτογραφία είναι διαφανής στο θέμα της, και αν μας ενδιαφέρει, αυτό συμβαίνει επειδή λειτουργεί ως υποκατάστατο του αντιπροσωπευόμενου πράγματος. Έτσι, αν κάποιος βρίσκει μια φωτογραφία όμορφη, είναι επειδή βρίσκει κάτι όμορφο στο θέμα της.»

Οι συμμετέχοντες μπορούν να υποβάλουν εικόνες σε δύο κατηγορίες του διαγωνισμού: α) Κοινωνία & Ανθρωπότητα, β) Φύση & Τοπίο. Τα θέματα μπορεί να αφορούν τον πολιτισμό, τον φυσικό κόσμο ή τις παραδοσιακές αξίες. Οι φωτογραφίες των φιναλίστ του 4ου NIPC περιελάμβαναν πορτραίτα, ανθρώπους στη δουλειά, οικογενειακές στιγμές, ερημιά, και άγρια ​​φύση.

Ο καταξιωμένος Άγγλος φωτογράφος Μάικλ Κέννα δήλωσε: «Η φωτογραφία τοπίου είναι ο πιο υπερβατικός τρόπος για να αποτυπώσεις την ήσυχη ομορφιά και την ενέργεια του κόσμου». Ο Κέννα αποτυπώνει τοπία με ένα «παραδοσιακό, μη ψηφιακό, ασημί φωτογραφικό μέσο» για περισσότερα από 50 χρόνια.

Οι κριτές του διαγωνισμού θα αξιολογήσουν τις τεχνικές δεξιότητες κάθε συμμετέχοντα και το καλλιτεχνικό όραμα των θετικών, ουσιαστικών εικόνων του.

Οι φωτογραφίες των φιναλίστ του 5ου NIPC θα παρουσιαστούν στο διαδίκτυο και σε έκθεση στη Νέα Υόρκη, από τις 25 έως τις 31 Ιανουαρίου 2026 (η ακριβής τοποθεσία πρόκειται να ανακοινωθεί αργότερα).

Οι συμμετέχοντες στον διαγωνισμό μπορούν να εμπνευστούν από τα λόγια του Ελβετοαμερικανού φωτογράφου Ρόμπερτ Φρανκ (1924–2019): «Υπάρχει ένα πράγμα που πρέπει να περιέχει η φωτογραφία: την ανθρωπιά της στιγμής».

Οι φωτογράφοι έχουν προθεσμία έως τις 31 Ιουλίου 2025 για να εγγραφούν στον 5ο NIPC.

Για περισσότερες πληροφορίες, επισκεφτείτε το Photo.NTDTV.com

Chee-Eam Chua, «Πρωινή σκηνή», Μαλαισία. Πρώτο βραβείο στην κατηγορία Φύση & Τοπίο, στον 4ο Διεθνή Διαγωνισμό Φωτογραφίας NTD. (Ευγενική παραχώρηση του Διεθνούς Διαγωνισμού Φωτογραφίας NTD)

 

Yuan-Kuei Chen, «Κορυφή», Ταϊβάν. Δεύτερο βραβείο στην κατηγορία Φύση & Τοπίο, στον 4ο Διεθνή Διαγωνισμό Φωτογραφίας NTD. (Ευγενική παραχώρηση του Διεθνούς Διαγωνισμού Φωτογραφίας NTD)

 

Allen Li , «The Twelve Apostles», Αυστραλία. Βραβείο Εξαιρετικής Τεχνικής στην κατηγορία Φύση & Τοπίο, στον 4ο Διεθνή Διαγωνισμό Φωτογραφίας NTD. (Ευγενική παραχώρηση του Διεθνούς Διαγωνισμού Φωτογραφίας NTD)

 

Wen-Hsien Lin, «Love», Ταϊβάν. Βραβείο Εξαιρετικής Τεχνικής στην κατηγορία Φύση & Τοπίο, στον 4ο Διεθνή Διαγωνισμό Φωτογραφίας NTD. (Ευγενική παραχώρηση του Διεθνούς Διαγωνισμού Φωτογραφίας NTD)

 

William Lee, «Yosemite Valley», Ηνωμένες Πολιτείες. Βραβείο Εξαιρετικής Τεχνικής στην κατηγορία Φύση & Τοπίο, στον 4ο Διεθνή Διαγωνισμό Φωτογραφίας NTD. (Ευγενική παραχώρηση του Διεθνούς Διαγωνισμού Φωτογραφίας NTD)

 

Wai-Leong Yap, «Longing», Μαλαισία. Πρώτο Βραβείο στην κατηγορία Κοινωνία & Ανθρωπότητα, στον 4ο Διεθνή Διαγωνισμό Φωτογραφίας NTD. (Ευγενική παραχώρηση του Διεθνούς Διαγωνισμού Φωτογραφίας NTD)

 

Ting-Hsin Chen, «Προστασία», Ταϊβάν. Δεύτερο Βραβείο στην κατηγορία Κοινωνία & Ανθρωπότητα, στον 4ο Διεθνή Διαγωνισμό Φωτογραφίας NTD. (Ευγενική παραχώρηση του Διεθνούς Διαγωνισμού Φωτογραφίας NTD)

 

Choo-Kia Ng, «Love», Μαλαισία. Τρίτο Βραβείο στην κατηγορία Κοινωνία & Ανθρωπότητα, στον 4ο Διεθνή Διαγωνισμό Φωτογραφίας NTD. (Ευγενική παραχώρηση του Διεθνούς Διαγωνισμού Φωτογραφίας NTD)

 

Willis Zhoe , «Memorial Day», Ηνωμένες Πολιτείες. Βραβείο Εξαιρετικής Τεχνικής στην κατηγορία Κοινωνία & Ανθρωπότητα, στον 4ο Διεθνή Διαγωνισμό Φωτογραφίας NTD. (Ευγενική παραχώρηση του Διεθνούς Διαγωνισμού Φωτογραφίας NTD)

 

Anthony Miu Kwok, «Brickcave Workers», Χονγκ Κονγκ. Βραβείο Εξαιρετικής Τεχνικής στην κατηγορία Κοινωνία & Ανθρωπότητα, στον 4ο Διεθνή Διαγωνισμό Φωτογραφίας NTD. (Ευγενική παραχώρηση του Διεθνούς Διαγωνισμού Φωτογραφίας NTD)

 

Stanley Wong, «More Butter Tea, Please», Καναδάς. Βραβείο Εξαιρετικής Τεχνικής στην κατηγορία Κοινωνία & Ανθρωπότητα, στον 4ο Διεθνή Διαγωνισμό Φωτογραφίας NTD. (Ευγενική παραχώρηση του Διεθνούς Διαγωνισμού Φωτογραφίας NTD)

 

David Wong, «Fall Over», Αυστραλία. Βραβείο Εξαιρετικής Τεχνικής στην κατηγορία Κοινωνία & Ανθρωπότητα, στον 4ο Διεθνή Διαγωνισμό Φωτογραφίας NTD. (Ευγενική παραχώρηση του Διεθνούς Διαγωνισμού Φωτογραφίας NTD)

 

Sudipto Das, «Computer Literacy», Ινδία. Βραβείο Εξαιρετικής Τεχνικής στην κατηγορία Κοινωνία & Ανθρωπότητα, στον 4ο Διεθνή Διαγωνισμό Φωτογραφίας NTD. (Ευγενική παραχώρηση του Διεθνούς Διαγωνισμού Φωτογραφίας NTD)

 

Vida Sun, «Το Φάλουν Ντάφα είναι καλό», Ταϊβάν. Βραβείο Εξαιρετικής Τεχνικής στην κατηγορία Κοινωνία & Ανθρωπότητα, στον 4ο Διεθνή Διαγωνισμό Φωτογραφίας NTD. (Ευγενική παραχώρηση του Διεθνούς Διαγωνισμού Φωτογραφίας NTD)

17ο Σαλόν ARC: Ο νικητής και τα ιδεώδη του διαγωνισμού για την ανάδειξη της παραστατικής ζωγραφικής

«Οι καλές τέχνες έχουν τη δύναμη να συγκινήσουν μέχρι δακρύων ή να αρπάξουν την ευαισθησία σου και να σε καθηλώσουν με μια συντριπτική αίσθηση ομορφιάς και ενθουσιασμού», έγραψε ο Φρέντερικ Ρος, συλλέκτης έργων τέχνης και ιδρυτής του Κέντρου Ανανέωσης της Τέχνης (Art Renewal Center – ARC), σε ένα δοκίμιο με τίτλο: «Η φιλοσοφία του ARC: Γιατί ο Ρεαλισμός;».

Το ARC, μη κερδοσκοπικός οργανισμός που ιδρύθηκε το 1999 κα εδρεύει στη Νέα Υόρκη, υποστηρίζει και προωθεί Ρεαλιστές καλλιτέχνες και τη ρεαλιστική καλλιτεχνική εκπαίδευση διεθνώς. Αγοράζει, επίσης, αξιόλογα έργα παραστατικής ζωγραφικής.

Το 2004, ο εναρκτήριος Διεθνής Διαγωνισμός του Σαλόν του ARC είχε περισσότερες από 1.100 συμμετοχές, από περισσότερες από δώδεκα χώρες. Τώρα, στη 17η επανάληψη του, οι συμμετοχές ξεπερνούν τις 5.000, από 87 χώρες.

Περίπου 100 από τα καλύτερα έργα του 17ου και του 18ου Διεθνούς Διαγωνισμού του Σαλόν του ARC θα εκτεθούν στον οίκο Sotheby’s στη Νέα Υόρκη το καλοκαίρι του 2026.

Η σύνδεση του διαγωνισμού ARC με τον Sotheby’s αποτελεί απόδειξη του κύρους του και επικυρώνει τις συνεχείς προσπάθειες και τη δέσμευση της ομάδας του ARC και των υποστηρικτών του να προωθήσουν τα καλύτερα παραστατικά έργα. Δείχνει επίσης ότι ο Ρεαλισμός έχει μια θέση στη σύγχρονη αγορά τέχνης, η οποία, εδώ και δεκαετίες, κατακλύζεται από την αφηρημένη και μοντέρνα τέχνη.

Ο μελετητής τέχνης και διαχειριστής του ARC Βερν Γκ. Σουάνσον έκρινε αρκετές κατηγορίες στον πρόσφατο διαγωνισμό. Επαίνεσε το υψηλό διαμέτρημα και την ποικιλία των συμμετοχών των ρεαλιστών καλλιτεχνών. «Λίγες εκθέσεις – καμία τόσο μεγάλη ή περιεκτική – αναδεικνύουν το εύρος της ρεαλιστικής τέχνης όσο το Σαλόν του ARC», έγραψε σε email.

«Αυτή η έκθεση αποτελεί μια μικρογραφία της μεγάλης ποικιλίας πολιτιστικής και εθνοτικής αισθητικής που υπάρχει […] Στον πυρήνα του, το Διεθνές Σαλόν του ARC συνοψίζει με τον καλύτερο τρόπο τη δύναμη του αιώνιου κόσμου της τέχνης.»

Πάβελ Σόκοφ: ο Καλύτερος της Έκθεσης

Στις 7 Ιανουαρίου, το ARC ανακοίνωσε τους νικητές του 17ου Διεθνούς Διαγωνισμού του Σαλόν του ARC. Το βραβείο του καλύτερου έργου της έκθεσης κέρδισε ο πίνακας του Καναδού καλλιτέχνη Πάβελ Σόκοφ «Παρακολουθώντας τον Χορό». Το βραβείο προσέφερε το The MacAvoy Foundation, το οποίο, σύμφωνα με την ιστοσελίδα του, «υποστηρίζει καλλιτέχνες που παράγουν διαχρονική, ουσιαστική τέχνη με αριστοτεχνικό τρόπο».

ZoomInImage
Πάβελ Σόκοφ, «Παρακολουθώντας τον Χορό», 2024. Λάδι σε λινό, 91 χ 61 εκ. Στις 7 Ιανουαρίου 2025, το Κέντρο Ανανέωσης Τέχνης (ARC) ανακοίνωσε ότι το «Παρακολουθώντας τον Χορό» κέρδισε το βραβείο του καλύτερου έργου της έκθεσης στον 17ο Διεθνή Διαγωνισμό του Σαλόν του ARC. (Ευγενική παραχώρηση του ARC)

 

Το επιδέξιο πινέλο του Σόκοφ απέδωσε το φως, τη σκόνη και τη θερμότητα με σχεδόν απτό τρόπο, απεικονίζοντας ένα κορίτσι της φυλής Ντασσάνεχ να παρακολουθεί έναν τελετουργικό χορό στην απομακρυσμένη κοιλάδα Όμο της νοτιοανατολικής Αιθιοπίας. Το φως του ήλιου παιχνιδίζει στην κορυφή του κεφαλιού της, αναδεικνύοντας ίσως την ιερότητα του χορού. Φοράει ένα ριγέ ύφασμα δεμένο στη μέση της για φούστα, ενώ κορδόνια με κόκκινες και μπλε χάντρες κοσμούν το λαιμό και τα μπράτσα της. Κοιτάζει προς τα εμάς, σαν να μας καλεί να παρακολουθήσουμε μαζί της τον χορό. Ο Σόκοφ αξιοποίησε την άνυδρη ατμόσφαιρα της κοιλάδας Όμο καλύπτοντας τους χορευτές με έναν αέρα γεμάτο σκόνη και μυστήριο. Μπορούμε σχεδόν να ακούσουμε τους χορευτές, καθώς με θόρυβο πηγαίνουν στη θέση τους. Μερικοί έχουν βάψει το σώμα τους, ενώ άλλοι κρατούν δόρατα..

Το «Παρακολουθώντας τον Χορό» είναι μέρος της σειράς «Ιστορίες των φυλών της Αιθιοπίας» του Σόκοφ , την οποία ζωγράφισε το 2022 αφού πέρασε δύο μήνες ζώντας με οκτώ διαφορετικές φυλές στην κοιλάδα Όμο. Σύμφωνα με δήλωση του καλλιτέχνη, η σειρά αποτελεί μέρος της αποστολής του Σόκοφ «να ανακαλύψει, να κατανοήσει και να μοιραστεί τις ιστορίες των παραδοσιακών πολιτισμών σε όλο τον κόσμο».

Κάθε φυλή της κοιλάδας του Όμο έχει διαφορετικά έθιμα και παραδόσεις, αλλά όλα έχουν ένα κοινό χαρακτηριστικό: ελάχιστη έως καθόλου επαφή με ξένους.

Ο Σόκοφ βυθίστηκε σε κάθε φυλή όσο περισσότερο μπορούσε, κοιμώμενος σε μια σκηνή και προσλαμβάνοντας έναν τοπικό οδηγό. Δημιούργησε πολυάριθμα πορτραίτα με ζωντανά μοντέλα και αποτύπωσε με την τέχνη του κάθε χωριό και τα περίχωρά του. Έβγαλε, επίσης, φωτογραφίες αναφοράς και αγόρασε τοπικά είδη.

«Ελπίζω να πω τις ποικίλες ιστορίες τους και να δείξω ότι υπάρχουν πολύ διαφορετικοί τρόποι ζωής από τους δικούς μας», δήλωσε ο καλλιτέχνης.

Ο Σόκοφ γεννήθηκε στη Μόσχα το 1990, στο τέλος της σοβιετικής εποχής, αλλά μετανάστευσε στο Μοντρεάλ με την οικογένεια του όταν ήταν 10 ετών. Άρχισε να δέχεται παραγγελίες για πίνακες σε ηλικία 17 ετών.

Το 2014, ο Σόκοφ σπούδασε στο «Ατελιέ των Τεχνών Watts» στο Ενκινίτας της Καλιφόρνια. Το περιοδικό Time ανέθεσε στον τότε 24χρονο Σόκοφ να ζωγραφίσει έναν από τους επιλαχόντες του για το πρόσωπο της χρονιάς για το 2014, τον Βλαντίμιρ Πούτιν. Ο Ρώσος πρόεδρος δεν είναι το μόνο διάσημο πορτραίτο που έχει αναλάβει ο Σόκοφ. Έχει ζωγραφίσει ακόμα τον Άρνολντ Σβαρτσενέγκερ, καθώς και μέλη της βασιλικής οικογένειας της Σαουδικής Αραβίας.

Οι σειρές του «Συλλογή από ιστορίες του κόσμου» και «Ιστορίες των φυλών της Αιθιοπίας» δείχνουν το πάθος του να καταγράφει παραδοσιακούς πολιτισμούς από όλον τον κόσμο. Τώρα, με το πινέλο του, στρέφεται σε ένα άλλο πάθος του: την επιστήμη. Με τον τίτλο «Gravitas Project», ο Σόκοφ ζωγραφίζει τις προσωπογραφίες 20 επιστημόνων, μερικοί από τους οποίους έχουν κάνει πρωτοποριακές ανακαλύψεις αλλά δεν είναι ακόμη ευρέως γνωστοί.

Από το 2018, οι πίνακες του Σόκοφ κερδίζουν τακτικά διακρίσεις και βραβεία σε αξιόλογους διαγωνισμούς τέχνης. Πιο πρόσφατα, ο διάδοχος του Μπαχρέιν χορήγησε στον Σόκοφ μια Χρυσή Βίζα για το εξαιρετικό του ταλέντο. Κέρδισε το Βραβείο Καλύτερης Αφήγησης στον διαγωνισμό Best of America 2024 National Oil & Acrylic Painters’ Society (NOAPS) και το Βραβείο Καλύτερης Φιγούρας/Πορτραίτου στον διαγωνισμό NOAPS Best of America Small Works 2024.

Για τον Σόκοφ, η κατάκτηση του βραβείου του 17ου Διεθνούς Διαγωνισμού του Σαλόν του ARC είναι καθοριστική για την καριέρα του και η «αναγνώριση [ότι] βρίσκεται στο σωστό δρόμο», όπως έγραψε στο Instagram, προσθέτοντας: «Είναι ιδιαίτερα σημαντικό για εμένα ότι ένας από τους πίνακές μου των φυλών της Αιθιοπίας πήρε αυτό το βραβείο, καθώς αυτή η σειρά αντιπροσωπεύει όλα όσα πρεσβεύω».

Τον δημιούργησε για τον εαυτό του, κάτι που συχνά είναι ριψοκίνδυνο. «Είναι τρομακτικό, μερικές φορές, να ξέρεις ότι αυτό για το οποίο είσαι παθιασμένος και τρελός, μπορεί να μην ενδιαφέρει κανέναν άλλο. Αλλά αν θέλετενα φτιάξετε κάτι αυθεντικό και μοναδικό, πρέπει απλώς να ακολουθήσετε την περιέργειά σας».

Η σειρά «Ιστορίες των φυλών της Αιθιοπίας» δεν μπαίνει «εύκολα στο σαλόνι ενός συλλέκτη», λέει ο καλλιτέχνης, «αλλά αντιπροσωπεύει όλα όσα είμαι. Είμαι περήφανος για αυτό.»